· 26 de enero San Miguel de Allende , Gto
· 15 de febrero León , Gto
· 16 de febrero León, Gto
· 22 de febrero Pinos , Zacatecas
· 09 de marzo Ixtapa , Zihuatanejo ( Clausura Festival )
· 14 de marzo Pachuca ,Hidalgo
· 16 de marzo Tepic ,Nayarit (Clausura de Feria )
· 23 de marzo Querétaro ,Querétaro ( Clausura Festival )
· 04 de abril Tijuana , Baja California
· 05 de abril Tequila , Jalisco
· 06 de abril Cocula , Jalisco
· 12 de abril Acapulco ,Guerrero
· 17 de abril México , DF Universidad Iberoamericana
· 18 de abril Programa TV SHOW ANIMAL NOCTURNO
· 19 de abril Autlán , Jalisco
· 20 de abril Ameca , Jalisco
· 25 de abril Ocotlán , Jalisco
· 26 de abril Chapala ,Jalisco
· 27 de abril Ajijic , Jalisco
· 06 de mayo Ensenada, Baja California
· 17 de mayo La Piedad , Michoacán
· 23 de mayo Nuevo Vallarta , Jalisco
· 24 de mayo Puerto Vallarta , Jalisco
· 25 de mayo Tepic , Nayarit
· 29 de mayo Hermosillo ,Sonora
· 04 de junio Dolores Hidalgo ( AUDITORIO )
· 05 de junio Dolores Hidalgo ( AUDITORIO )
· 06 de junio Lagos de Moreno , Jalisco
· 07 de junio Tepatitlán , Jalisco
· 08 de junio Aguascalientes , Ags
· 14 de junio Hilton Los Cabos
· 15 de junio Hilton Los Cabos
· 19 de junio CD Guzmán , Jalisco
· 20 de junio Colima , Colima
· 21 de junio Tamazula , Jalisco
· 22 de junio Mazamitla , Jalisco
· 28 de junio Cuautla , Morelos
· 29 de junio Cuernavaca , Morelos
· 30 de junio Tepoztlán , Morelos
· 03 de julio Habana , Cuba
· 04 de julio Habana ,Cuba
· 05 de julio Habana , Cuba
· 06 de julio Habana, Cuba
· 07 de julio Habana, Cuba
· 22 de agosto Guadalajara , Jalisco Atlas Colomos
· 05 de septiembre Nogales , Sonora
· 06 de septiembre Caborca , Sonora
· 07 de septiembre Guaymas , Sonora
· 08 de septiembre Empalme , Sonora
· 06 de diciembre San Miguel de Allende, Gto
· 10 de enero 2009 San Miguel de Allende Gto
· 06 de febrero 2009 Guadalajara , Jal Teatro Degollado
· 07 de febrero 2009 Guadalajara , Jal Teatro Degollado
Thursday, March 20, 2008
Wednesday, September 12, 2007
Sunday, April 01, 2007
Paco Rentería video entrevista con Ricardo Rocha
El prestigiado periodista Ricardo Rocha entrevista a Paco Rentería por tercera ocasión en su programa Animal Nocturno , donde se presentó Paco el pasado 27 de marzo del 2007 exitosamente , abriendo dicho programa.
Saturday, January 20, 2007
RESEÑA OCHO COLUMNAS ( HUGO DE PADUA )
El “Océano” multicolor de Paco Rentería
Un trabajo guitarrístico limpio, diverso y creativo fue plasmado por el músico
Hugo de Padua | OC Agitanado, expresivo y con un aire definitivamente internacional, se percibe «Caribe», tema con el que inicia el episodio fonográfico «Océano», CD del reconocido guitarrista de formación clásica y pasión flamenca, Paco Rentería, quien plasmó efectivamente un mar sonoro multicolor, en el que no solo luce su depurado estilo y técnica, sino que también el entorno de sus líneas protagónicas marcan el camino idóneo para transportar por pasajes distintos, las historias relatadas melódicamente insinuando alegorías de festividad y melancolía, incluso dentro de un mismo tema, como ocurre dentro del mencionado «Caribe», que acusa certeros cambios de tonalidad.
«Vallarta Nights» es una pieza lenta y acompasada, cuya cadencia evoca a Latinoamérica con un candor bien enmarcado por el bajo de Víctor Aguilar. Recuerda un poco a la composición «Aquí no será» del combo multinacional Ozomatli, por ese sentido implícito de tristeza; raíces que remiten a España -escalica y evolutivamente, técnicamente hablando-, y el acompañamiento de set de batería compagina bien, delimitando la estructura de la canción. Cabe destacar el excelente desempeño de los ejecutantes que acompañan en la experiencia a Rentería, entre ellos el destacado violinista y tecladista Emmanuel Macías y Héctor Aguilar, uno de los mejores percusionistas en el Estado.
«Playa Las Estacas» es una de las selecciones mas sensibilizadotas del listado, con un contorno fretless, y evoluciones violinísticas casi de carácter hipnótico, compartiendo el sitio estelar con la guitarra limpia de Rentería, quien demuestra en la composición su madurez, al permitir que la canción hable con lenguaje propio y como un todo, no como un espacio para brillar únicamente por su probada destreza interpretativa; 7 piezas conforman el repertorio de este disco que resulta grato y atractivo, apegado a los cánones de la música formal, más, con una personalidad plena de actualidad.
Comentarios:
hugodepadua@yahoo.com
Un trabajo guitarrístico limpio, diverso y creativo fue plasmado por el músico
Hugo de Padua | OC Agitanado, expresivo y con un aire definitivamente internacional, se percibe «Caribe», tema con el que inicia el episodio fonográfico «Océano», CD del reconocido guitarrista de formación clásica y pasión flamenca, Paco Rentería, quien plasmó efectivamente un mar sonoro multicolor, en el que no solo luce su depurado estilo y técnica, sino que también el entorno de sus líneas protagónicas marcan el camino idóneo para transportar por pasajes distintos, las historias relatadas melódicamente insinuando alegorías de festividad y melancolía, incluso dentro de un mismo tema, como ocurre dentro del mencionado «Caribe», que acusa certeros cambios de tonalidad.
«Vallarta Nights» es una pieza lenta y acompasada, cuya cadencia evoca a Latinoamérica con un candor bien enmarcado por el bajo de Víctor Aguilar. Recuerda un poco a la composición «Aquí no será» del combo multinacional Ozomatli, por ese sentido implícito de tristeza; raíces que remiten a España -escalica y evolutivamente, técnicamente hablando-, y el acompañamiento de set de batería compagina bien, delimitando la estructura de la canción. Cabe destacar el excelente desempeño de los ejecutantes que acompañan en la experiencia a Rentería, entre ellos el destacado violinista y tecladista Emmanuel Macías y Héctor Aguilar, uno de los mejores percusionistas en el Estado.
«Playa Las Estacas» es una de las selecciones mas sensibilizadotas del listado, con un contorno fretless, y evoluciones violinísticas casi de carácter hipnótico, compartiendo el sitio estelar con la guitarra limpia de Rentería, quien demuestra en la composición su madurez, al permitir que la canción hable con lenguaje propio y como un todo, no como un espacio para brillar únicamente por su probada destreza interpretativa; 7 piezas conforman el repertorio de este disco que resulta grato y atractivo, apegado a los cánones de la música formal, más, con una personalidad plena de actualidad.
Comentarios:
hugodepadua@yahoo.com
Saturday, January 06, 2007
PACO RENTERÍA EN EL CENTENARIO DEL TEATRO JUÁREZ
LOS GUANAJUATENSES INTENSIFICAN LA FIESTA CULTURAL POR EL CENTENARIO DEL TEATRO JUÁREZ
Por ser una de sus más grandes joyas arquitectónicas, históricas y culturales, los guanajuatenses siguen festejando los 100 años de fundación del Teatro Juárez, edificio que ha sobresalido en los ámbitos nacional e internacional por ser un reflejo de evolución de la arquitectura teatral iniciada en la Grecia clásica.
Esta fiesta cultural iniciada en octubre del año pasado, fue planeada por el gobierno del estado, a través del Instituto Estatal de la Cultura, para realizarse durante varios meses, y en este mes corresponde la actuacion del reconocido compositor y guitarrista Paco Rentería.
Este foro porque tiene una larga tradición en la cultura mexicana, ya que es una de las construcciones más suntuosas construidas en el siglo XIX en ese estado, además su mobiliario, su telón de boca, sus materiales de madera, fierro y cristal, así como gran parte de la ornamentación y materiales para la decoración fueron adquiridos en Europa y Estados Unidos.
Guanajuato siempre ha sido un atractivo en el mundo porque más que una ciudad, parece un monumento, y es que la forma tan singular de sus edificios, calles, plazas y callejones recrea un paisaje único en nuestro país, en donde sobresale precisamente el Teatro Juárez, ubicado en el área más centralizada de la ciudad guanajuatense y que vino a sustituir parte importante del espacio que ocupó el Convento de San Pedro de Alcántara en el siglo XVII.
Pocos recintos cuentan con la magnificencia de éste, por tal razón tuvo que ser construido en tres etapas. La primera fue de 1873 a 1875, la segunda de 1891 a 1893, y la última de 1893 a 1897. En este proyecto se conjugaron dos estilos: el del arquitecto José Noriega y de su colega Antonio Rivas Mercado.
La historia de la arquitectura del siglo XIX en Guanajuato señala que ésta se mantuvo generalmente bajo la influencia neoclásica, de tal suerte que el arquitecto Noriega expresó en todas sus obras la severidad clásica, en tanto Rivas Mercado se desprendió hasta cierto punto de ello con un espíritu nuevo, el cual aplicó en el Teatro Juárez, logrando crear un edificio ecléctico en algunas de sus partes y a la vez en su conjunto.
Y para que el público admire de manera diferente su belleza, es que siempre hay actividades de modo que los oriundos del estado y los visitantes aprecien en todo su esplendor este espacio, mientras disfrutan de un espectáculo artístico.
Por este escenario han pasado, desde su inauguración ocurrida en 1903, importantes artistas y grupos, entre los que sobresalen Jaime Nunó (autor de la música del Himno Nacional), Virginia Fábregas, Prudencia Grifell, Consuelo López de Solano, Julián Carrillo, Francisco Fuentes, Carlos Chávez y la Orquesta Sinfónica de México, Higinio Ruvalcaba, Berta Singerman, Angélica Morales, Salvador Novo, Margot Fonteyn, el Ballet Bolshoi, Martha Graham y Rudolf Nureyev, entre otros.
Durante agosto, los guanajuatenses podrán disfrutar de unos de los más exitos guitarristas de la actualidad , que viene encumbrado por los actuales premios y galardones que ha recibido durante este año, así mismo por ser unos de los invitados de honor para esta magna celebración del centenario del Teatro Juárez, se trata del virtuoso guitarrista Paco Rentería, quien presenta Gitano, que más que un concierto, es un espectáculo en donde la combinación de colores, formas, música y personas dan vida al misterio de la encumbrada guitarra gitana. Su actuación será el sábado 7 de agosto, a las 20 horas.
Por ser una de sus más grandes joyas arquitectónicas, históricas y culturales, los guanajuatenses siguen festejando los 100 años de fundación del Teatro Juárez, edificio que ha sobresalido en los ámbitos nacional e internacional por ser un reflejo de evolución de la arquitectura teatral iniciada en la Grecia clásica.
Esta fiesta cultural iniciada en octubre del año pasado, fue planeada por el gobierno del estado, a través del Instituto Estatal de la Cultura, para realizarse durante varios meses, y en este mes corresponde la actuacion del reconocido compositor y guitarrista Paco Rentería.
Este foro porque tiene una larga tradición en la cultura mexicana, ya que es una de las construcciones más suntuosas construidas en el siglo XIX en ese estado, además su mobiliario, su telón de boca, sus materiales de madera, fierro y cristal, así como gran parte de la ornamentación y materiales para la decoración fueron adquiridos en Europa y Estados Unidos.
Guanajuato siempre ha sido un atractivo en el mundo porque más que una ciudad, parece un monumento, y es que la forma tan singular de sus edificios, calles, plazas y callejones recrea un paisaje único en nuestro país, en donde sobresale precisamente el Teatro Juárez, ubicado en el área más centralizada de la ciudad guanajuatense y que vino a sustituir parte importante del espacio que ocupó el Convento de San Pedro de Alcántara en el siglo XVII.
Pocos recintos cuentan con la magnificencia de éste, por tal razón tuvo que ser construido en tres etapas. La primera fue de 1873 a 1875, la segunda de 1891 a 1893, y la última de 1893 a 1897. En este proyecto se conjugaron dos estilos: el del arquitecto José Noriega y de su colega Antonio Rivas Mercado.
La historia de la arquitectura del siglo XIX en Guanajuato señala que ésta se mantuvo generalmente bajo la influencia neoclásica, de tal suerte que el arquitecto Noriega expresó en todas sus obras la severidad clásica, en tanto Rivas Mercado se desprendió hasta cierto punto de ello con un espíritu nuevo, el cual aplicó en el Teatro Juárez, logrando crear un edificio ecléctico en algunas de sus partes y a la vez en su conjunto.
Y para que el público admire de manera diferente su belleza, es que siempre hay actividades de modo que los oriundos del estado y los visitantes aprecien en todo su esplendor este espacio, mientras disfrutan de un espectáculo artístico.
Por este escenario han pasado, desde su inauguración ocurrida en 1903, importantes artistas y grupos, entre los que sobresalen Jaime Nunó (autor de la música del Himno Nacional), Virginia Fábregas, Prudencia Grifell, Consuelo López de Solano, Julián Carrillo, Francisco Fuentes, Carlos Chávez y la Orquesta Sinfónica de México, Higinio Ruvalcaba, Berta Singerman, Angélica Morales, Salvador Novo, Margot Fonteyn, el Ballet Bolshoi, Martha Graham y Rudolf Nureyev, entre otros.
Durante agosto, los guanajuatenses podrán disfrutar de unos de los más exitos guitarristas de la actualidad , que viene encumbrado por los actuales premios y galardones que ha recibido durante este año, así mismo por ser unos de los invitados de honor para esta magna celebración del centenario del Teatro Juárez, se trata del virtuoso guitarrista Paco Rentería, quien presenta Gitano, que más que un concierto, es un espectáculo en donde la combinación de colores, formas, música y personas dan vida al misterio de la encumbrada guitarra gitana. Su actuación será el sábado 7 de agosto, a las 20 horas.
Paco Rentería via EL INFORMADOR RESEÑA
PACO RENTERIA
El próximo 17 de agosto de 1996 a las 20:30 horas en el Teatro Degollado, tendrá verificativo un concierto con Paco Rentería y el grupo Viento y Arena. Este será a beneficio de la Fundación Margarita Sahagún de Montaño, que ayuda niños y ancianos que lo necesitan , esta no es la primera vez que este generoso guitarrista apoya causas para los mas necesitados , la útima vez lo hizo para el Instituto Dawn , donde regalo las entradas de 2 de sus conciertos de el Foro de Arte y Cultura.
El próximo 17 de agosto de 1996 a las 20:30 horas en el Teatro Degollado, tendrá verificativo un concierto con Paco Rentería y el grupo Viento y Arena. Este será a beneficio de la Fundación Margarita Sahagún de Montaño, que ayuda niños y ancianos que lo necesitan , esta no es la primera vez que este generoso guitarrista apoya causas para los mas necesitados , la útima vez lo hizo para el Instituto Dawn , donde regalo las entradas de 2 de sus conciertos de el Foro de Arte y Cultura.
Reseña Vía el Siglo de Durango ( Periódico )
Una vez más la magia gitana de Paco Rentería hechizó a los melómanos duranguenses, gracias a la invitación que recibió por parte del Instituto Municipal del Arte y la Cultura para que ofreciera un concierto en el Auditorio Universitario, como una forma de agradecimiento a las personas que durante tres años los apoyaron en la gestión que realizaron al frente de la cultura municipal.
Elia María Morelos Fabela, directora del IMAC, antes de iniciar con la presentación agradeció a todas las personas que la apoyaron durante su gestión, al público, a su equipo de colaboradores, entre otros, “esperemos que nuestro padre tiempo nos vuelva a encontrar
Elia María Morelos Fabela, directora del IMAC, antes de iniciar con la presentación agradeció a todas las personas que la apoyaron durante su gestión, al público, a su equipo de colaboradores, entre otros, “esperemos que nuestro padre tiempo nos vuelva a encontrar
Reseña de EL INFORMADOR periódico de Guadalajara
La guitarra ecléctica de Paco Rentería
Esta noche en Plaza Fundadores
En el concierto de esta noche Paco Rentería presentará algunas piezas de su último material discográfico Océano.
Hoy se llevará a cabo el concierto "Ecléctico" del guitarrista Paco Rentería. A las 20:30 horas, en la Plaza Fundadores se podrá escuchar gran parte del repertorio del músico jalisciense, entre el que se incluyen algunos temas de su último material discográfico Océano.
El próximo año cumple una década como profesional de la música. "Soy un incansable luchador de mis pasiones e inquietudes. Un apasionado de la música y de la mujer", se describe el guitarrista. "Cuando eres honesto, te gusta lo que haces, y sabes que cuando abres una puerta se aparecen otras 10. El arte, y en este caso la música a través de la guitarra, es interminable".
Paco Rentería dijo estar en permanente renovación. "Siempre hago cosas diferentes, estoy en la búsqueda de sonidos novedosos, en el intento de hacer uso de la tecnología para ver qué sonidos podemos incorporar".
Las reglas y las ataduras no son del gusto del músico. "Disfruto la libertad. Después de tocar el Concierto de Aranjuez y obras de Bach, ahora me gusta ser yo, componer mis propias melodías, mi sentir y que nadie me diga cómo hacer las cosas".
La cuarta producción del músico se titula Océano, parteaguas de dos proyectos que se desarrollarán el próximo año: flamenco gitano y 'Paco Rentería project', música alternativa-progresiva "parecido a la música de Enigma y Pink Floyd". El material será presentado en febrero.
Paco Rentería ha sido galardonado en diferentes países. Algunas de sus composiciones encabezan los temas de películas y series. Ha alternado con figuras internacionales del flamenco y la música como el tenor Luciano Pavarotti, Carlos Santana, Antonio Canales, Vicente Amigo, entre otros artistas.
Para el año 2004 abrirá dos conciertos más de Pavarotti y cerrará el Festival de Sevilla. El próximo año presentará el Concierto Gitano y su última producción discográfica Océano.
Esta noche en Plaza Fundadores
En el concierto de esta noche Paco Rentería presentará algunas piezas de su último material discográfico Océano.
Hoy se llevará a cabo el concierto "Ecléctico" del guitarrista Paco Rentería. A las 20:30 horas, en la Plaza Fundadores se podrá escuchar gran parte del repertorio del músico jalisciense, entre el que se incluyen algunos temas de su último material discográfico Océano.
El próximo año cumple una década como profesional de la música. "Soy un incansable luchador de mis pasiones e inquietudes. Un apasionado de la música y de la mujer", se describe el guitarrista. "Cuando eres honesto, te gusta lo que haces, y sabes que cuando abres una puerta se aparecen otras 10. El arte, y en este caso la música a través de la guitarra, es interminable".
Paco Rentería dijo estar en permanente renovación. "Siempre hago cosas diferentes, estoy en la búsqueda de sonidos novedosos, en el intento de hacer uso de la tecnología para ver qué sonidos podemos incorporar".
Las reglas y las ataduras no son del gusto del músico. "Disfruto la libertad. Después de tocar el Concierto de Aranjuez y obras de Bach, ahora me gusta ser yo, componer mis propias melodías, mi sentir y que nadie me diga cómo hacer las cosas".
La cuarta producción del músico se titula Océano, parteaguas de dos proyectos que se desarrollarán el próximo año: flamenco gitano y 'Paco Rentería project', música alternativa-progresiva "parecido a la música de Enigma y Pink Floyd". El material será presentado en febrero.
Paco Rentería ha sido galardonado en diferentes países. Algunas de sus composiciones encabezan los temas de películas y series. Ha alternado con figuras internacionales del flamenco y la música como el tenor Luciano Pavarotti, Carlos Santana, Antonio Canales, Vicente Amigo, entre otros artistas.
Para el año 2004 abrirá dos conciertos más de Pavarotti y cerrará el Festival de Sevilla. El próximo año presentará el Concierto Gitano y su última producción discográfica Océano.
Paco Rentería en el Festival Zacatecas 2002
Esta noche, presente en el Festival Cultural Zacatecas 2002
Paco Rentería y su guitarra
De Guadalajara, Jalisco
Milagros Alarcón/IMAGEN ( Periódico de Zacatecas )
Un joven guitarrista. Compositor. Arreglista. De personalidad apasionada y temperamental. Con una impecable técnica y que se entrega en cuerpo y alma a su público. Ese es Paco Rentería.
Él y su guitarra, serán parte del Festival Cultural Zacatecas 2002 esta noche.
Su biografía cuenta que desde muy pequeño se sintió atraído por el instrumento. Que a los ocho años recibió su primera guitarra como regalo de su padre. Y que tomando clases particulares, comenzó a estudiar guitarra clásica y clásico español.
“Llegó el punto en que me sentí estancado, de ahí surgió mi necesidad de incursionar en el flamenco, pues es un ritmo, o -palo- como lo llaman los españoles, muy agresivo y que me permitía interpretar con la pasión que llevo dentro”.
Paco Rentería se considera un guitarrista con técnica de flamenco que fusiona cualquier cantidad de géneros para enriquecer su música. Aunque bien a bien, su espectáculo no es flamenco, ni nada por el estilo.
Paco Rentería es una mezcla de estilos musicales que van desde lo oriental, mediterráneo, latino o afroantillano, sin poner ningún límite para volcar sus emociones.
En sus presentaciones, el joven invita a varios músicos tapatíos de muy buen nivel. Lo han acompañado Emmanuel Macías y Mónica Ávila. Juntos complementan sus creaciones, dándole más fuerza al espectáculo.
“Flamenco” se titula el nombre de su concierto. “Flamenco con Paco Rentería y su Guitarra”. Estará en Plaza de Armas a las 21:00 horas.
Todas las piezas que se incluyen en sus conciertos, son arreglos o composiciones de Paco, por lo tanto tienen un sonido característico que ya ha traspasado fronteras.
Con tres discos “Viento y Arena” , “Paco Rentería en vivo”, “La búsqueda del alma”, producción con un toque deliciosamente latino; y su participación en un compilado de músicos tapatíos “Xaliscantos” como respaldo, Rentería está por llegar.
Paco Rentería y su guitarra
De Guadalajara, Jalisco
Milagros Alarcón/IMAGEN ( Periódico de Zacatecas )
Un joven guitarrista. Compositor. Arreglista. De personalidad apasionada y temperamental. Con una impecable técnica y que se entrega en cuerpo y alma a su público. Ese es Paco Rentería.
Él y su guitarra, serán parte del Festival Cultural Zacatecas 2002 esta noche.
Su biografía cuenta que desde muy pequeño se sintió atraído por el instrumento. Que a los ocho años recibió su primera guitarra como regalo de su padre. Y que tomando clases particulares, comenzó a estudiar guitarra clásica y clásico español.
“Llegó el punto en que me sentí estancado, de ahí surgió mi necesidad de incursionar en el flamenco, pues es un ritmo, o -palo- como lo llaman los españoles, muy agresivo y que me permitía interpretar con la pasión que llevo dentro”.
Paco Rentería se considera un guitarrista con técnica de flamenco que fusiona cualquier cantidad de géneros para enriquecer su música. Aunque bien a bien, su espectáculo no es flamenco, ni nada por el estilo.
Paco Rentería es una mezcla de estilos musicales que van desde lo oriental, mediterráneo, latino o afroantillano, sin poner ningún límite para volcar sus emociones.
En sus presentaciones, el joven invita a varios músicos tapatíos de muy buen nivel. Lo han acompañado Emmanuel Macías y Mónica Ávila. Juntos complementan sus creaciones, dándole más fuerza al espectáculo.
“Flamenco” se titula el nombre de su concierto. “Flamenco con Paco Rentería y su Guitarra”. Estará en Plaza de Armas a las 21:00 horas.
Todas las piezas que se incluyen en sus conciertos, son arreglos o composiciones de Paco, por lo tanto tienen un sonido característico que ya ha traspasado fronteras.
Con tres discos “Viento y Arena” , “Paco Rentería en vivo”, “La búsqueda del alma”, producción con un toque deliciosamente latino; y su participación en un compilado de músicos tapatíos “Xaliscantos” como respaldo, Rentería está por llegar.
Paco Rentería en el Museo Manuel Felguérez
Paco Rentería en el Museo Manuel Felguérez
Presenta mañana nuevo disco, temas gitanos y clásicos navideños
Redacción/Cultura/IMAGEN ( Periódico de Zacatecas )
Como parte de las actividades de la Agenda Cultural que promueven el Instituto Zacatecano de Cultura y el Consejo Estatal de Turismo, mañana domingo se presentará en esta ciudad el guitarrista jalisciense Paco Rentería.
La cita es en punto de las 13:00 horas en el Auditorio del Museo de Arte Abstracto “Manuel Felguérez”, donde el talentoso compositor e intérprete de la guitarra flamenca cerrará su exitosa gira de 200 conciertos del “Tour 2003”.
Extraordinario, único, místico y con una gran fuerza musical en el escenario, Paco Rentería nuevamente ofrecerá a su público zacatecano un concierto en el que espera sacar lo mejor de sí, acompañado por el grupo de músicos de primer nivel que ejecutan, al igual que él, de manera magistral la guitarra, el bajo, el violín, los teclados y las percusiones, teniendo contemplado para mañana domingo, como parte del programa, la presentación de su nuevo disco titulado “Océano” y la interpretación de clásicos navideños, así como los temas de mayor fuerza gitana que lo caracterizan.
Cabe recordar que Paco Rentería se presentó en Zacatecas por vez primera el año de 1998 en el Museo Francisco Goitia.
Desde entonces a la fecha ha pisado diferentes escenarios de la entidad destacando su presencia en el Festival Cultural Zacatecas (Emisiones 2002 y 2003), así como en algunos municipios zacatecanos como Tlaltenango, en la reciente Feria Regional de Guadalupe y, próximamente, en la cabecera municipal de Pinos, por lo que esta tierra de cantera y plata se encuentra ya impresa en el corazón de uno de los mejores guitarristas mexicanos.
Compositor e intérprete de la guitarra clásica y flamenca, Paco Rentería ha merecido diversos reconocimientos y premios en lugares como Japón, Egipto, Estados Unidos y por supuesto en muchas ciudades y festivales de la República Mexicana.
No es por demás recordar que su estilo es único al mezclar el flamenco con las corrientes gitanas, egipcias, el jazz y hasta reminiscencias celtas, lo que le permite en sus recitales y sus producciones discográficas trasmitir la fuerza, la pasión, los sueños y las ilusiones contenidas.
Sus actividades para el 2004 empezarán con el año, dado que abrirá las celebraciones en la Feria de Tlaltenango el 4 de enero; además le esperan diversos eventos internacionales, destacándose su participación en uno de los conciertos del tenor Luciano Pavarotti, de quien recibe constantemente consejo, así como en algunos espectáculos del Cirque du Soleil en México, siendo pues su música un océano entre culturas y sentimientos musicales de muy diversa génesis.
Como puede apreciarse, nuevamente Zacatecas brillará con la música del maestro Rentería, siendo el acceso gratuito pero con cupo limitado por lo que mañana, a partir de las 11:00 horas, se podrán adquirir los boletos en la taquilla del Museo.
Presenta mañana nuevo disco, temas gitanos y clásicos navideños
Redacción/Cultura/IMAGEN ( Periódico de Zacatecas )
Como parte de las actividades de la Agenda Cultural que promueven el Instituto Zacatecano de Cultura y el Consejo Estatal de Turismo, mañana domingo se presentará en esta ciudad el guitarrista jalisciense Paco Rentería.
La cita es en punto de las 13:00 horas en el Auditorio del Museo de Arte Abstracto “Manuel Felguérez”, donde el talentoso compositor e intérprete de la guitarra flamenca cerrará su exitosa gira de 200 conciertos del “Tour 2003”.
Extraordinario, único, místico y con una gran fuerza musical en el escenario, Paco Rentería nuevamente ofrecerá a su público zacatecano un concierto en el que espera sacar lo mejor de sí, acompañado por el grupo de músicos de primer nivel que ejecutan, al igual que él, de manera magistral la guitarra, el bajo, el violín, los teclados y las percusiones, teniendo contemplado para mañana domingo, como parte del programa, la presentación de su nuevo disco titulado “Océano” y la interpretación de clásicos navideños, así como los temas de mayor fuerza gitana que lo caracterizan.
Cabe recordar que Paco Rentería se presentó en Zacatecas por vez primera el año de 1998 en el Museo Francisco Goitia.
Desde entonces a la fecha ha pisado diferentes escenarios de la entidad destacando su presencia en el Festival Cultural Zacatecas (Emisiones 2002 y 2003), así como en algunos municipios zacatecanos como Tlaltenango, en la reciente Feria Regional de Guadalupe y, próximamente, en la cabecera municipal de Pinos, por lo que esta tierra de cantera y plata se encuentra ya impresa en el corazón de uno de los mejores guitarristas mexicanos.
Compositor e intérprete de la guitarra clásica y flamenca, Paco Rentería ha merecido diversos reconocimientos y premios en lugares como Japón, Egipto, Estados Unidos y por supuesto en muchas ciudades y festivales de la República Mexicana.
No es por demás recordar que su estilo es único al mezclar el flamenco con las corrientes gitanas, egipcias, el jazz y hasta reminiscencias celtas, lo que le permite en sus recitales y sus producciones discográficas trasmitir la fuerza, la pasión, los sueños y las ilusiones contenidas.
Sus actividades para el 2004 empezarán con el año, dado que abrirá las celebraciones en la Feria de Tlaltenango el 4 de enero; además le esperan diversos eventos internacionales, destacándose su participación en uno de los conciertos del tenor Luciano Pavarotti, de quien recibe constantemente consejo, así como en algunos espectáculos del Cirque du Soleil en México, siendo pues su música un océano entre culturas y sentimientos musicales de muy diversa génesis.
Como puede apreciarse, nuevamente Zacatecas brillará con la música del maestro Rentería, siendo el acceso gratuito pero con cupo limitado por lo que mañana, a partir de las 11:00 horas, se podrán adquirir los boletos en la taquilla del Museo.
Paco Rentería Reseña Periódico IMAGEN de Zacatecas
El concierto de ayer en el Teatro Fernando Calderón
Paco Rentería y su guitarra flamenca
Un espectáculo único e inenarrable que provocó una prolongada ovación
Rolando Cantú/IMAGEN
Un cuerpo humano hecho de música, así puede definirse el concierto que ofreció el día de ayer en la Sala Principal del Teatro Fernando Calderón el compositor e intérprete Paco Rentería, quien llegó con su guitarra flamenca a deleitar al público de nuestro estado.
Un espectáculo único y diferente es lo que brindó este músico mexicano, el cual estaba acompañado en el escenario por cinco colegas, los cuales, lograban seguir el ritmo de esas notas afroamericanas, españolas y clásicas que por un lapso de más de una hora corrió entre las paredes del teatro.
Las emociones que dejaban derramar los espectadores se hacían sentir a flor de piel, tanto, que la interacción que hubo entre ejecutantes y asistentes fue tan mágica que el propio Paco Rentería regaló un aplauso de él y su grupo para la gente de zacatecas.
Paco Rentería, virtuoso de la guitarra, presentó un espectáculo único e inenarrable, en donde se apreció cómo la música puede ser poseída por los espíritus que se unen a buscar la tranquilidad, llegando a penetrar a las entrañas del público, un público que de pie, tributó más de un minuto de ovación a Paco Rentería y amigos filarmónicos que lo acompañaron en esta nueva aventura zacatecana.
Paco Rentería se despidió del Festival Cultural Zacatecas 2003, pero amenazó con regresar ya que le gustaría que esta ciudad fuese testigo de cómo nace su nuevo material discográfico, mismo que estará en circulación por ahí del mes de noviembre.
link de validación - http://201.120.22.246/2003/04/20/forastero2.htm
Paco Rentería y su guitarra flamenca
Un espectáculo único e inenarrable que provocó una prolongada ovación
Rolando Cantú/IMAGEN
Un cuerpo humano hecho de música, así puede definirse el concierto que ofreció el día de ayer en la Sala Principal del Teatro Fernando Calderón el compositor e intérprete Paco Rentería, quien llegó con su guitarra flamenca a deleitar al público de nuestro estado.
Un espectáculo único y diferente es lo que brindó este músico mexicano, el cual estaba acompañado en el escenario por cinco colegas, los cuales, lograban seguir el ritmo de esas notas afroamericanas, españolas y clásicas que por un lapso de más de una hora corrió entre las paredes del teatro.
Las emociones que dejaban derramar los espectadores se hacían sentir a flor de piel, tanto, que la interacción que hubo entre ejecutantes y asistentes fue tan mágica que el propio Paco Rentería regaló un aplauso de él y su grupo para la gente de zacatecas.
Paco Rentería, virtuoso de la guitarra, presentó un espectáculo único e inenarrable, en donde se apreció cómo la música puede ser poseída por los espíritus que se unen a buscar la tranquilidad, llegando a penetrar a las entrañas del público, un público que de pie, tributó más de un minuto de ovación a Paco Rentería y amigos filarmónicos que lo acompañaron en esta nueva aventura zacatecana.
Paco Rentería se despidió del Festival Cultural Zacatecas 2003, pero amenazó con regresar ya que le gustaría que esta ciudad fuese testigo de cómo nace su nuevo material discográfico, mismo que estará en circulación por ahí del mes de noviembre.
link de validación - http://201.120.22.246/2003/04/20/forastero2.htm
Friday, January 05, 2007
CHIAPAS UNA CONQUISTA MÁS DE PACO RENTERÍA
Chiapas una conquista más del Mtro.Paco Rentería.
Primer Festival Internacional de las Culturas y las Artes Rosario Castellanos, En el Concierto Inaugural que ofreciera el guitarrista Paco Rentería, junto a tres escepcionales exponentes de la música flamenca, se registró un llenó total en el Teatro de la Ciudad Junchavín, donde los asistentes, con animadas ovaciones, expresaron su entusiasmo por la magistral ejecución de los exponentes, en la interpetación de conocidas melodías de autores mexicanos y composiciones del propio Rentería.
Público de diversas edades interactuó con los músicos entablando diálogos y siguiendo el ritmo de la música con palmadas y alegres risas, propiciando un ambiente de franca algarabía. Los cuatro interpretes dieron muestra de una profunda entrega emocional y profesional que la concurrencia no tardó en percibir; luego de que la velada musical se extendiera a petición de los espectadores, quienes de pie se afanaban en aplaudirles para que continuaran tocando, los músicos prometieron volver a Chiapas muy pronto.
Primer Festival Internacional de las Culturas y las Artes Rosario Castellanos, En el Concierto Inaugural que ofreciera el guitarrista Paco Rentería, junto a tres escepcionales exponentes de la música flamenca, se registró un llenó total en el Teatro de la Ciudad Junchavín, donde los asistentes, con animadas ovaciones, expresaron su entusiasmo por la magistral ejecución de los exponentes, en la interpetación de conocidas melodías de autores mexicanos y composiciones del propio Rentería.
Público de diversas edades interactuó con los músicos entablando diálogos y siguiendo el ritmo de la música con palmadas y alegres risas, propiciando un ambiente de franca algarabía. Los cuatro interpretes dieron muestra de una profunda entrega emocional y profesional que la concurrencia no tardó en percibir; luego de que la velada musical se extendiera a petición de los espectadores, quienes de pie se afanaban en aplaudirles para que continuaran tocando, los músicos prometieron volver a Chiapas muy pronto.
Wednesday, January 03, 2007
RESEÑAS NEWS PAPER 2006
Puis il y a un concert de Paco Rentería .Le concert est genial,nous devenons completament fan de cet artiste.
Anne Maude
A thundering fundraiser by internationally renowned musician Paco Rentería at Hotel Dreams Recently brought in $ 6, 825 dollars for the local chapter of the Red Cross.
Visit Püerto Vallarta
Concierto lleno de magia y de gran comunicación entre concertista y auditorio, Rentería dio en el Auditorio Manuel Enríquez una vasta exhibición de su habilidad y virtuosismo. El concierto finalizó con el público asistente de pie.
EL CAPITOLIO
Paco Rentería and his group presented a magical night of music.The concert was held on the beach under the palms and everyone there gave a standing ovation to the incredible musicians. Pacowith his contemporary flamenco style,who captivated the crowd with his incredible talent for all types of music
Miami News
El espíritu de una guitarra, las suaves melodías del oriente, cadentes fusiones latinas, cosas de las etnias australianas, sonidos influencia celta y guitarra flamenca, fueron conjurados en este hermoso concierto en Plaza Fundadores, el mago que las hizo posibles Paco Rentería
REFORMA
Un concierto Gitano de Paco Rentería para enaltecer el programa de festejos de la ciudad española Sevilla. El concierto magistral de guitarra que ofreció Paco Rentería en el Teatro mas importante de esta ciudad contó con un lleno total de este recinto ya que los asistentes querían escuchar la manera de tocar y dominar una guitarra española por parte de este compositor y músico. Las filas para ingresar al Teatro eran muy extensa, rodeaban el Teatro iluminado hermosamente ya en el interior iniciar el concierto entraron a escena 8 músicos y con ellos Paco Rentería, quien se hizo acompañar de grandes músicos para llevar su música a niveles de éxtasis y euforia que el público en mas de 2 ocasiones de pie pidió encore con palmas pies, haciendo estremecer el recinto.
OCCIDENTAL
Concierto en el Noveno Festival de Mayo de Paco Rentería, sinónimo de Madurez y calidad Musical.
Paco Rentería conquistó al público del IX Festival Cultural de Mayo con Tauromagia.
.De ese concierto celebrado en el Teatro Degollado, el artista dio una muestra de evolución y solidez musical...Un espectáculo multidisciplinario que integra rumba, flamenco, la plástica de la escenografía, un ambiente mudéjar y principalmente el sello característico del músico tapatío; serie de elementos que por más de hora y media, cautivo a la audiencia.
Paco Rentería logró una química perfecta con el público,
Conquisto el sonido de sus palmas y provocó el jaleo en la sala de conciertos.
Luego de un intento fallido por despedirse, el reconocido guitarrista regresó al escenario para ofrecer junto a los más de 15 músicos el encore.
EL INFORMADOR MAYO 2006
Anne Maude
A thundering fundraiser by internationally renowned musician Paco Rentería at Hotel Dreams Recently brought in $ 6, 825 dollars for the local chapter of the Red Cross.
Visit Püerto Vallarta
Concierto lleno de magia y de gran comunicación entre concertista y auditorio, Rentería dio en el Auditorio Manuel Enríquez una vasta exhibición de su habilidad y virtuosismo. El concierto finalizó con el público asistente de pie.
EL CAPITOLIO
Paco Rentería and his group presented a magical night of music.The concert was held on the beach under the palms and everyone there gave a standing ovation to the incredible musicians. Pacowith his contemporary flamenco style,who captivated the crowd with his incredible talent for all types of music
Miami News
El espíritu de una guitarra, las suaves melodías del oriente, cadentes fusiones latinas, cosas de las etnias australianas, sonidos influencia celta y guitarra flamenca, fueron conjurados en este hermoso concierto en Plaza Fundadores, el mago que las hizo posibles Paco Rentería
REFORMA
Un concierto Gitano de Paco Rentería para enaltecer el programa de festejos de la ciudad española Sevilla. El concierto magistral de guitarra que ofreció Paco Rentería en el Teatro mas importante de esta ciudad contó con un lleno total de este recinto ya que los asistentes querían escuchar la manera de tocar y dominar una guitarra española por parte de este compositor y músico. Las filas para ingresar al Teatro eran muy extensa, rodeaban el Teatro iluminado hermosamente ya en el interior iniciar el concierto entraron a escena 8 músicos y con ellos Paco Rentería, quien se hizo acompañar de grandes músicos para llevar su música a niveles de éxtasis y euforia que el público en mas de 2 ocasiones de pie pidió encore con palmas pies, haciendo estremecer el recinto.
OCCIDENTAL
Concierto en el Noveno Festival de Mayo de Paco Rentería, sinónimo de Madurez y calidad Musical.
Paco Rentería conquistó al público del IX Festival Cultural de Mayo con Tauromagia.
.De ese concierto celebrado en el Teatro Degollado, el artista dio una muestra de evolución y solidez musical...Un espectáculo multidisciplinario que integra rumba, flamenco, la plástica de la escenografía, un ambiente mudéjar y principalmente el sello característico del músico tapatío; serie de elementos que por más de hora y media, cautivo a la audiencia.
Paco Rentería logró una química perfecta con el público,
Conquisto el sonido de sus palmas y provocó el jaleo en la sala de conciertos.
Luego de un intento fallido por despedirse, el reconocido guitarrista regresó al escenario para ofrecer junto a los más de 15 músicos el encore.
EL INFORMADOR MAYO 2006
LA HISTORIA BREVE DE LA GUITARRA ACÚSTICA
Historia
Existen evidencias arqueológicas de que en 1400 a.C. los hititas crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira —el instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo— pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra.
En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitâr, palabra que daría origen a la palabra "guitarra".
Estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kizára, que los ingleses transliteran kithara. Luego tomaron este nombre e instrumento modificándolo por chíttara, que en castellano se terminó llamando cítara.
El primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino «laúd». Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe bajo dominación musulmana.
En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compone su Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañer con destreza. Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes" —pares de cuerdas—.
Para dar mayor consistencia a la guitarra se añadieron unas barras debajo de la tapa armónica. Esto permitió que la tapa de madera fuese más fina, obteniendo mayor resonancia y una mejor distribución del sonido.
Posteriores modificaciones, como el uso de un mástil reforzado y elevado, así como de clavijas metálicas en lugar de las de madera y la fabricación con materiales que favorecen la acústica, dan origen a lo que hoy se conoce como guitarra clásica.
En el siglo XIX la guitarra alcanzó su mejor sonido, belleza en el tono y proyección con las siete varas extendidas bajo la tapa armónica por el luthier de Almería, España, Antonio Torres Jurado, el aumento de su caja de resonancia, así como el ensanchamiento del mástil.
El luthier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en piezas renacentistas y barrocas.
Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba —desde las más agudas a las más graves— con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. También se las conoce con el nombre de su nota de afinación —como se hace también en los violines, violas, violonchelos y contrabajos—: la cuerda mi4 —la primera cuerda—, la cuerda si3 —la segunda—, sol3 —la tercera—, re3 —la cuarta—, la2 —la quinta— y mi2 —la sexta— siendo el do4 la nota central de un piano. En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos, o un tono, la sexta cuerda —desde el mi2 al re2—.
En las partituras las cuerdas se nombran con números romanos: I, II, III, IV, V y VI. Las obras para guitarra se escriben en clave de sol, transpuestas una octava más aguda como si la guitarra fuera un instrumento más agudo: el mi4 de la primera cuerda al aire se escribe como si fuera un mi5 —el mi del cuarto espacio del pentagrama con clave de sol, contado de abajo hacia arriba—.
A las tres cuerdas más graves —la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última— se las llama "bordonas", mientras que "bordonear" es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.
También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente: Fa4, la#3, re#3, sol#3, Do2 y Fa2 "por que las notas Mi y Si No Tienen sostenidos"
La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo —afinado normalmente: sol2, re2, la1 y mi1—.
PACO RENTERÍA DOCUMENTOS
Existen evidencias arqueológicas de que en 1400 a.C. los hititas crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira —el instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo— pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra.
En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitâr, palabra que daría origen a la palabra "guitarra".
Estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kizára, que los ingleses transliteran kithara. Luego tomaron este nombre e instrumento modificándolo por chíttara, que en castellano se terminó llamando cítara.
El primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino «laúd». Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe bajo dominación musulmana.
En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compone su Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañer con destreza. Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes" —pares de cuerdas—.
Para dar mayor consistencia a la guitarra se añadieron unas barras debajo de la tapa armónica. Esto permitió que la tapa de madera fuese más fina, obteniendo mayor resonancia y una mejor distribución del sonido.
Posteriores modificaciones, como el uso de un mástil reforzado y elevado, así como de clavijas metálicas en lugar de las de madera y la fabricación con materiales que favorecen la acústica, dan origen a lo que hoy se conoce como guitarra clásica.
En el siglo XIX la guitarra alcanzó su mejor sonido, belleza en el tono y proyección con las siete varas extendidas bajo la tapa armónica por el luthier de Almería, España, Antonio Torres Jurado, el aumento de su caja de resonancia, así como el ensanchamiento del mástil.
El luthier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en piezas renacentistas y barrocas.
Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba —desde las más agudas a las más graves— con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. También se las conoce con el nombre de su nota de afinación —como se hace también en los violines, violas, violonchelos y contrabajos—: la cuerda mi4 —la primera cuerda—, la cuerda si3 —la segunda—, sol3 —la tercera—, re3 —la cuarta—, la2 —la quinta— y mi2 —la sexta— siendo el do4 la nota central de un piano. En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos, o un tono, la sexta cuerda —desde el mi2 al re2—.
En las partituras las cuerdas se nombran con números romanos: I, II, III, IV, V y VI. Las obras para guitarra se escriben en clave de sol, transpuestas una octava más aguda como si la guitarra fuera un instrumento más agudo: el mi4 de la primera cuerda al aire se escribe como si fuera un mi5 —el mi del cuarto espacio del pentagrama con clave de sol, contado de abajo hacia arriba—.
A las tres cuerdas más graves —la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última— se las llama "bordonas", mientras que "bordonear" es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.
También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente: Fa4, la#3, re#3, sol#3, Do2 y Fa2 "por que las notas Mi y Si No Tienen sostenidos"
La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo —afinado normalmente: sol2, re2, la1 y mi1—.
PACO RENTERÍA DOCUMENTOS
Friday, December 29, 2006
Sonará la Guitarra de Fuego
Sonará la guitarra de fuego de Paco Rentería
RAMÓN PONCE
El Gráfico
Domingo 17 de septiembre de 2006
Para Paco Rentería el flamenco no tiene nacionalidad, sino sentimiento.El multigalardonado intérpretey compositor presentará con su espectáculo Guitarra de fuego el próximo 22 y 23 de septiembre en el escenario del Teatro de la Ciudad, donde demostrará que su música tiene magia.
Rentería reconoce en entrevista que su guitarra cuenta aquello que le dictan los dedos y que recogen con emoción todo lo que cae desde el corazón.
"No importa el modo en que se diga, la pasión contenida vive en cada composición y el intérprete tiene esa magia... Cada instrumento sabe hablar y contar sus propias historias", afirma.
Paco Rentería defiende su música y sus convicciones para realizar un concierto, que haga que el público explore el sentir más pasional, su capacidad artística y creativa son incuestionables, y de ello se desprende con gran audacia su manera de seguir sorprendiendo a través del flamenco-pop.
RAMÓN PONCE
El Gráfico
Domingo 17 de septiembre de 2006
Para Paco Rentería el flamenco no tiene nacionalidad, sino sentimiento.El multigalardonado intérpretey compositor presentará con su espectáculo Guitarra de fuego el próximo 22 y 23 de septiembre en el escenario del Teatro de la Ciudad, donde demostrará que su música tiene magia.
Rentería reconoce en entrevista que su guitarra cuenta aquello que le dictan los dedos y que recogen con emoción todo lo que cae desde el corazón.
"No importa el modo en que se diga, la pasión contenida vive en cada composición y el intérprete tiene esa magia... Cada instrumento sabe hablar y contar sus propias historias", afirma.
Paco Rentería defiende su música y sus convicciones para realizar un concierto, que haga que el público explore el sentir más pasional, su capacidad artística y creativa son incuestionables, y de ello se desprende con gran audacia su manera de seguir sorprendiendo a través del flamenco-pop.
Libera su talento
Paco Rentería ofrecerá un concierto fiel a sus gustos por el mestizaje musical, englobando ritmos flamencos con pop y jazz
Ana Rosa Gutiérrez
Con sabor latino y flamenco el guitarrista mexicano Paco Rentería prepara el concierto "Guitarra de fuego", que retoma el éxito del espectáculo "Gitano" (2006), cuyo éxito obedecía a combinación de colores, música y formas en torno a la guitarra gitana que recreaba a la música exótica y caprichosa.
Apasionado por el estilo flamenco, el artista jalisciense ofrece un concierto fiel a sus gustos por el mestizaje musical, englobando ritmos como el propio flamenco, el pop, el jazz latino, oriental y progresivo, que muestran la inquietud musical del artista y los resultados de una ardua exploración de la guitarra.
"Guitarra de fuego" es un abanico de composiciones, experimentos, matices e influencias que conforman el concepto Free Play, asignado a su música por el mismo Rentería. Es también para el público una oportunidad de viajar a las cumbres del arte musical con sólo un instrumento tradicional.
Para nuestro más afamado guitarrista que gusta de tocar descalzo, el arte de hacer música es difícil, como cualquier tipo de arte y para lograr el éxito considera preciso balancear el talento, la vocación, la disciplina y la coherencia al plasmar lo que el interior quiere expresar, por lo que asegura "lleva mucho tiempo ser músico, pero lleva más ser artista", según ha declarado públicamente.
Considerado un importante exponente de guitarra contemporánea, Paco Rentería también ha combinado su carrera de compositor e intérprete con trabajos para películas, series .Paco se ha ganado a miles de seguidores debido a la gracia, vigor, pasión , erotismo , sensualidad , tensión expresiva, pasión, así como a sus profundas raíces que provienen de los límites emocionales encontrados en la feroz libertad que brinda su Freeplay.
Paco Rentería
Guitarra de fuego
22 y 23 de septiembre 2006 20:30 hrs.
Teatro de la Ciudad
Donceles # 36, Centro Histórico
Localidades: $300 a $100
Boletos en taquilla y al 5325-9000
México , Distrito Federal
Paco Rentería ofrecerá un concierto fiel a sus gustos por el mestizaje musical, englobando ritmos flamencos con pop y jazz
Ana Rosa Gutiérrez
Con sabor latino y flamenco el guitarrista mexicano Paco Rentería prepara el concierto "Guitarra de fuego", que retoma el éxito del espectáculo "Gitano" (2006), cuyo éxito obedecía a combinación de colores, música y formas en torno a la guitarra gitana que recreaba a la música exótica y caprichosa.
Apasionado por el estilo flamenco, el artista jalisciense ofrece un concierto fiel a sus gustos por el mestizaje musical, englobando ritmos como el propio flamenco, el pop, el jazz latino, oriental y progresivo, que muestran la inquietud musical del artista y los resultados de una ardua exploración de la guitarra.
"Guitarra de fuego" es un abanico de composiciones, experimentos, matices e influencias que conforman el concepto Free Play, asignado a su música por el mismo Rentería. Es también para el público una oportunidad de viajar a las cumbres del arte musical con sólo un instrumento tradicional.
Para nuestro más afamado guitarrista que gusta de tocar descalzo, el arte de hacer música es difícil, como cualquier tipo de arte y para lograr el éxito considera preciso balancear el talento, la vocación, la disciplina y la coherencia al plasmar lo que el interior quiere expresar, por lo que asegura "lleva mucho tiempo ser músico, pero lleva más ser artista", según ha declarado públicamente.
Considerado un importante exponente de guitarra contemporánea, Paco Rentería también ha combinado su carrera de compositor e intérprete con trabajos para películas, series .Paco se ha ganado a miles de seguidores debido a la gracia, vigor, pasión , erotismo , sensualidad , tensión expresiva, pasión, así como a sus profundas raíces que provienen de los límites emocionales encontrados en la feroz libertad que brinda su Freeplay.
Paco Rentería
Guitarra de fuego
22 y 23 de septiembre 2006 20:30 hrs.
Teatro de la Ciudad
Donceles # 36, Centro Histórico
Localidades: $300 a $100
Boletos en taquilla y al 5325-9000
México , Distrito Federal
RESEÑA TEATRO DEGOLLADO 2006
RESEÑA TEATRO DEGOLLADO 2006
En el marco del 9° Noveno Festival de Mayo, y teniendo como sede el Teatro Degollado, Paco Rentería demostró por que es considerado uno de los mejores guitarristas actualmente. Desde temprano ya se mostraban largas filas para el ingreso a este hermoso y majestuoso recinto, en el interior la producción de Paco revisaba todos los detalles, mas de 30 personas entre técnicos , iluminadores , ingenieros y staff en general hacían la señal de que todo estaba listo , se abren las puertas y la gente va ingresando a la sala sorprendida de lo hermoso del Teatro Degollado, más ahora con su última y costosísima remodelación , la inquietud , la emoción y la expectativa se reflejaba en los cientos de personas que estaban ingresando , poco a poco cada una de las personas fueron tomando la localidad que les correspondía. Tercera llamada sale Paco Rentería así como su agrupación todos vestidos de negro solo Paco con vestimentas en lino blanco elegante pero fresco , con los pies a ras de piso conectado a la energía mostrando serenidad , seguridad y elegancia , pies hermosos decía una señora , desde la primera melodía el público y Paco Rentería conectaron su energía , cada uno de los integrantes mostraron cualidades que la gente no tardó en ovacionar , tres percusionistas entre ellos una joven con gran fuerza y talento ; palmas y percusionistas en unísono arrancaron las palmas del respetable , el violinista y trompetista fueron otros de los ovacionados, el citar causo gran asombro en los solos que interpretaron, todos conectados con Paco ,todos respetando a Paco y todos compartiendo su energía , una energía juvenil, fresca y llena de talento, un escenario de carisma , donde Paco melodía tras melodía se comía la guitarra volando con los dedos por todo el diapasón creando magia que dejo a todos encantados y que no dejaron de ovacionar largamente cada unas de sus intervenciones , al final el público de pie pidió el encore mas largo del festival con gritos , palmas y pies estremeciendo la estructura del Degollado , salió Paco haciendo que el público reventara su éxtasis y emoción en una entrega total y absoluta que dejo el recuerdo de una noche de talento interminable y que se recordará por mucho tiempo . El festival de Mayo fue refrescado por uno de los grandes que seguramente nos tendrá nuevas sorpresas. Y como excelente noticia este concierto saldrá en unos meses en CD y DVD, ya que fue grabado y será una oportunidad que los que estuvimos ayer la noche del 27 de mayo del 2006 tengamos la oportunidad de revivir tan impactante concierto y que todos los que no tuvieron la misma oportunidad lo hagan también. Paco solo me queda decirte lo mismo con que tu nos despediste ¡Que Dios te bendiga! en hora buena...............
En el marco del 9° Noveno Festival de Mayo, y teniendo como sede el Teatro Degollado, Paco Rentería demostró por que es considerado uno de los mejores guitarristas actualmente. Desde temprano ya se mostraban largas filas para el ingreso a este hermoso y majestuoso recinto, en el interior la producción de Paco revisaba todos los detalles, mas de 30 personas entre técnicos , iluminadores , ingenieros y staff en general hacían la señal de que todo estaba listo , se abren las puertas y la gente va ingresando a la sala sorprendida de lo hermoso del Teatro Degollado, más ahora con su última y costosísima remodelación , la inquietud , la emoción y la expectativa se reflejaba en los cientos de personas que estaban ingresando , poco a poco cada una de las personas fueron tomando la localidad que les correspondía. Tercera llamada sale Paco Rentería así como su agrupación todos vestidos de negro solo Paco con vestimentas en lino blanco elegante pero fresco , con los pies a ras de piso conectado a la energía mostrando serenidad , seguridad y elegancia , pies hermosos decía una señora , desde la primera melodía el público y Paco Rentería conectaron su energía , cada uno de los integrantes mostraron cualidades que la gente no tardó en ovacionar , tres percusionistas entre ellos una joven con gran fuerza y talento ; palmas y percusionistas en unísono arrancaron las palmas del respetable , el violinista y trompetista fueron otros de los ovacionados, el citar causo gran asombro en los solos que interpretaron, todos conectados con Paco ,todos respetando a Paco y todos compartiendo su energía , una energía juvenil, fresca y llena de talento, un escenario de carisma , donde Paco melodía tras melodía se comía la guitarra volando con los dedos por todo el diapasón creando magia que dejo a todos encantados y que no dejaron de ovacionar largamente cada unas de sus intervenciones , al final el público de pie pidió el encore mas largo del festival con gritos , palmas y pies estremeciendo la estructura del Degollado , salió Paco haciendo que el público reventara su éxtasis y emoción en una entrega total y absoluta que dejo el recuerdo de una noche de talento interminable y que se recordará por mucho tiempo . El festival de Mayo fue refrescado por uno de los grandes que seguramente nos tendrá nuevas sorpresas. Y como excelente noticia este concierto saldrá en unos meses en CD y DVD, ya que fue grabado y será una oportunidad que los que estuvimos ayer la noche del 27 de mayo del 2006 tengamos la oportunidad de revivir tan impactante concierto y que todos los que no tuvieron la misma oportunidad lo hagan también. Paco solo me queda decirte lo mismo con que tu nos despediste ¡Que Dios te bendiga! en hora buena...............
La monotonía del Arte
Para los músicos que ni quieran morirse de asco recomiendo leer esto…
LA MODULACIÓN. PROCEDIMIENTOS Y EJEMPLOS DE SU MECÁNICA. FUNCIÓN EXPRESIVA. RECURSOS DIDÁCTICOS PARA TRABAJAR EN EL AULA.
“La monotonía es imperdonable en el arte” Otto Karòly
Introducción:
Nuestra concepción de tonalidad es la idea de que una pieza tonal “está” en una determinada tonalidad, lo que implica que esa tonalidad particular define una sola tónica para la pieza. Resulta indeseable estéticamente para una obra permanecer en una sola tonalidad, a no ser que sea una pieza corta. Todas las composiciones de cierta longitud incluyen notas que no pertenecen a la escala diatónica básica. Un cambio de tonalidad supone una maravilla a nuestros oídos, una nueva adopción de referente tonal, una nueva paleta sonora, nuevos colores. La modulación no solo es necesaria por razones psicológicas, sino por razones estéticas y expresivas.
Podemos poner el ejemplo de la Tercera Sinfonía de Beethoven, en Mi bemol Mayor. Cierto, su primer movimiento comienza y acaba con dicha tríada (Mib, Sol, Sib), dura aproximadamente unos 20 minutos. La tonalidad imperante es Mib Mayor pero está continuamente abandonando la escala de Mib Mayor, a otras tonalidades próximas como Si bemol Mayor o La bemol Mayor....también a otras lejanas como Mi menor. Nosotros percibimos que estas tonalidades mantienen una relación compositiva ya que forman parte de una composición musical. Ya será el análisis el que determinará las relaciones tonales que Beethoven plasmó. Indudablemente a nuestro nivel de Educación Musical sería farragoso y absurdo el análisis de sinfonías. En todo caso, conocer los mecanismos que componen la modulación para su posterior aplicación en el trabajo del aula es una interesante cuestión. No va a ser sin embargo un recurso didáctico muy empleado en el aula, dada la complejidad de su mecánica y audición y la edad de los alumnos/as a los cuales impartiremos nuestra materia. Sin embargo, esto no es impedimento para que nosotros como docentes sepamos todo lo concerniente a la modulación (tipos, procedimientos, etc…) para trabajar en el aula de forma creativa y sacando el mayor partido a las piezas escuchadas.
LA MODULACIÓN
Concepto y función:
La modulación es el cambio de tono que se produce en un fragmento musical, así como al proceso seguido para realizar dicho cambio. Este cambio de centro tonal puede producirse por medio de la melodía, la armonía o ambas cosas a la vez. Una modulación será más definida, más natural cuanto más cercanas se hallen los tonos entre los cuales se va a producir la modulación por existir entre ambos una relación de sonidos más directa, más afín; es decir, que entre los sonidos componentes de la tonalidad anteriormente determinada y la nueva haya menor diferencia de alteraciones ya sean éstas propias o aquellas que corresponden a las variantes de los diferentes tipos de escala.
Según su duración, las modulaciones pueden ser:
- Definitivas: Su duración es suficiente para hacernos olvidar la anterior.
- Intermedias (falsa modulación): Se extiende solo por unos compases, para regresar pronto a la tonalidad anterior.
Básicamente, y teniendo en cuenta la progresión armónica, se puede modular por medio de varios procedimientos:
- Directamente desde un acorde de un tono a otro de otro tono (Modulación directa)
- Usando uno o varios acordes que tengan relación con ambos tonos utilizándolos de puente o de enlace (pivote).
- Cambio de Modo: Se trata de modular de una tonalidad a otra, cuya armadura es diferente pero la escala base es idéntica. Se trata por tanto de pasar del modo mayor al modo menor o viceversa de tonalidades estructuradas sobre una misma nota. Modular de Do Mayor a Do menor. (Claro de Luna Beethoven) El cambio de modo se emplea para dar contraste en periodos de una misma frase musical y para conseguir contrastes luminosos (3ª picarda).
- A través de una sucesión de acordes siguiendo el ciclo de quintas. (Esta no se emplea como recurso en música escolar dada sus características).
-Modulación directa:
Es el tipo más abrupto entre los tres citados. Literalmente, el nuevo tono nos coge por sorpresa. Es una modulación sin ningún tipo de preparación. La forma más típica de modulación directa se produce al terminar una frase en un tono y comenzar la siguiente en otro. Lo normal es que la frase que acaba lo haga con el acorde de tónica y la que comienza con el acorde de tónica del nuevo tono. Sin embargo, la modulación directa también puede producirse desde otros acordes diatónicos, y entrar en el nuevo acorde no forzosamente con el nuevo acorde de tónica, sino con otros acordes diatónicos a la nueva tonalidad.
Casos de modulación directa entre acordes diatónicos cualesquiera también son posibles, y no necesariamente en un final de frase. En estos, el movimiento entre las fundamentales del acorde de un tono a la del acorde del nuevo tono, acostumbra a ser por grado conjunto.
- Modulación por medio de acordes de enlace:
La más suave de las tres ya que está basada en acordes relacionados con los dos tonos a los que sirven de unión. El oído abandona el centro tonal y entra en el nuevo sin brusquedad. Esto dependerá de la cantidad y claridad de los acordes usados como puente o unión. Estos acordes los denominaremos “pivotes”. Hay tres tipos de acordes pivotes, los principales, secundarios y relativos aunque nosotros solo estudiaremos los primeros.
• Principales: Se consideran acordes de enlaces principales los que son diatónicos a los dos tonos que sirven de unión. Así pues, la modulación usando acordes principales será posible entre tonalidades que tengan 2 o menos alteraciones de diferencia, ya que solo en estos casos se encuentran acordes diatónicos comunes. Entre Do Mayor y La Mayor no existe ningún acorde diatónico común a ambas tonalidades ya que la diferencia de alteraciones es de 3. Sin embargo, cuando la diferencia es de 2 alteraciones, el acorde del grado II de una tonalidad es el mismo que el III de la otra.
(2 sostenidos de diferencia)
Tono Do Mayor: Tercer grado = Mi menor.
Tono Re Mayor: Segundo grado = Mi menor.
(2 bemoles de diferencia)
Tono Do Mayor: Segundo grado = Re menor.
Tono Sib Mayor: Tercer grado = Re menor.
Cuando la diferencia de alteraciones entre tonalidades es de una, tres son los acordes diatónicos comunes:
Do M Rem Mim FaM SolM Lam Sim(b5)
Tono Do: I II III IV V VI VII
Tono Fa: VI I III
Tono Sol: IV VI II
Además, entre una tonalidad mayor y su relativo menor los siete acordes de la escala mayor son comunes a los siete de la escala menor, con lo que todos ellos podrán ser acordes de enlace principales.
Do M Rem Mim FaM SolM Lam Sim(b5)
Tono Do: I II III IV V VI VII
Tono Am: bIII IV V bVI bVII I II
TONOS VECINOS:
Son aquellos que se diferencian en una sola alteración. Su modulación entre ellos es muy frecuente, además de suave y agradable ya que comparten varios acordes pivotes.
Los acordes diatónicos a una determinada escala mayor o menor son los tonos vecinos relacionados con dicha escala tomada como base; hay que exceptuar, sin embargo, el acorde que se forma sobre el séptimo grado de la escala mayor y el segundo de la menor ya que, este, no es un acorde perfecto y no es un centro tonal válido.
II Re Menor
III Mi menor
Do Mayor IV Fa Mayor
V Sol Mayor
VI La menor (relativo principal)
bIII Do Mayor (relativo principal)
IV Re menor
V Mi menor
La menor bVI Fa Mayor
bVII Sol Mayor
FUNCIÓN EXPRESIVA.
La función de la modulación es dar variedad y riqueza expresiva, que se consigue mediante el desarrollo temático y los contrastes.
* El desarrollo temático consiste en convertir un fragmento menor en otro de mayor extensión por medio de la variación tímbrica, la modulación o ambos procedimientos a la vez. Beethoven poseía una gran capacidad de desarrollo temático, ya que con solo 4 notas (3 de ellas iguales) logra componer el primer movimiento de la 5ª Sinfonía, mediante progresiones de ese motivo y posteriores modulaciones.
La modulación nos permite jugar con la expresividad de la línea melódica. Nos permite disfrutar de distinta luminosidad.
El fin que persigue la utilización del recurso de la modulación es enriquecer la melodía y la armonía, dotándola de unas pinceladas de distintos contrastes sonoros y evitar monotonías, ya que antes de algo novedoso, se produce una activación de la atención.
Los autores consideran la modulación como un gran recurso artístico. El fin que persigue es enriquecer la melodía y dotarla de una pincelada de contrastes sonoros y evitar la monotonía.
EVOLUCIÓN HISTÓRICA
Como bien señalamos al principio, la monotonía es imperdonable en todo arte, por ello a lo largo de la historia de la música, (sobre todo a partir del siglo XVII), la modulación ha sido utilizada como un recurso de suma importancia para evitar esa monotonía, dándole una riqueza tanto expresiva como estética a las composiciones.
Como veremos a continuación, la modulación ha tenido épocas con mayor auge que otras, habiendo sido utilizada además con diferentes fines.
No será hasta el siglo XV, en pleno Renacimiento, cuado empezaremos a hablar de modulación propiamente dicha. En esta época el arte seglar rivaliza con la polifonía religiosa. La polifonía profana apuntará hacia los modos mayor y menor actuales. En el renacimiento aparecen los actuales nombres de las voces (soprano, contralto, tenor, bajo). La polifonía profana encontrará su máximo desarrollo en el madrigal italiano.
A principios del siglo XVII, el madrigal adquiere un carácter más dramático y virtuosístico, valiéndose como medios expresivos, de las disonancias, cromatismos, entrando así en el mundo de las modulaciones.
Ya en el Barroco, los modos modernos sustituyen definitivamente a los eclesiásticos. Pero para el estudio de la modulación y expresión dentro de este período musical nos centraremos en uno de los compositores más importantes, no sólo de esta época, sino también de la historia de la música como es J.S Bach.
Bach resume el pasado de los siglos precedentes, empalmando el gótico y el barroco a través de la imitación, el canon y la fuga, pero al mismo tiempo que cierra un período abre una nueva época en el dominio de la expresión y la construcción musical.
Bach necesita poner énfasis en el contenido de las palabras cuya expresión trata de graduar mediante un adecuado empleo de imágenes sonoras. Así el dolor se expresa mediante una línea cromática descendente, la repetición de notas en movimiento rápido expresan el terror.
Es este compositor el que empieza a hacer de las modulaciones uno de los elementos más importantes para componer sus obras, para expresar sus sentimientos. La mayoría de las modulaciones las realiza utilizando un acorde mixto y progresiones modulantes intratonales (dentro de una misma tonalidad). Las modulaciones serán pasajeras, ya que, aunque a veces sean muy amplias, siempre volverán al punto de partida.
Pero quizá lo más sorprendente de Bach, es la facilidad para componer obras extraordinarias, llenas de sentimiento, ricas en variedad, con pocos recursos armónicos utilizados, apenas utilizaba progresiones modulantes intratonales, acordes sin alterar, modulaciones a tonos vecinos mediante acordes mixtos. Fue capaz con ello de componer obras de gran importancia como “El arte de la fuga” o “Pasión según San Mateo” , por no citar numerosas cantatas y corales de extraordinaria belleza.
Pasamos así al Clasicismo, donde la música es objetiva, contenida en emociones, refinada, elegante, algo superficial, pero nunca pobre. La claridad y simplicidad es la nota predominante de la música de esta época.
La armonía es transparente, no cromática, las modulaciones son utilizadas para relacionar temas y secciones, las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza. Las modulaciones por tanto se utilizan para dar variedad a la melodía pero no para expresar sentimientos como en el barroco, para ello los compositores de esta época se valdrán del ritmo, la dinámica (fuerte, piano, crescendo, diminuendo, etc) aunque este último aspecto será más trabajado en el romanticismo, ya que la música clásica no tiene grandes arrebatos.
En el Romanticismo, la música se hace más humana, se acerca al pueblo, aparecen los estilos musicales, según las tradiciones, folklore y valores nacionales de cada pueblo.
Se buscan los contrastes musicales y de oposiciones acentuadas capaces de evocar y sugerir sentimientos a través de variados ritmos, orquestación, matices y un elemento de suma importancia en este período será la modulación a través de la cual se conseguirá una música deslumbrante, apasionada y espectacular.
Uno de los métodos más empleado para modular será la enarmonía de un acorde, se alteraran acordes ya existentes, creando acordes nuevos como el de sexta napolitana, que se forma sobre el segundo grado de la escala pero rebajado, y en primera inversión.
Ej: Fa LA Re b (primera inversión).
Este tipo de acordes producen un ensanchamiento armónico y junto con las disonancias y cromatismos crearan un colorido más rico y un ambiente de mayor expresión subjetiva. Esto nos llevará a una cierta vaguedad tonal.
Con esa vaguedad tonal, llegamos al impresionismo donde al igual que en pintura lo que más interesa es la luz y el color. Se rechazan tonalidades clásicas, utilizando multitud de acordes sin que domine ninguno, no existen atracciones entre ellos como sucedía en la armonía clásica.
Lo que más interesa es el colorido y la sonoridad sensual de cada acorde en sí, es por tanto, música de sensación más que de cerebro.
Se utilizan escalas orientales y exóticas que no tengan las atracciones de escalas occidentales. Al no aparecer tonalidad claramente definida o estar definida con vaguedad, las modulaciones serán pasajeras, sin ningún método concreto, o en otros casos ni siquiera existirán.
Posteriormente aparecen los nacionalismos, donde todos los países comenzarán a tomar conciencia de sus valores, el sinfonismo y la ópera alemana son un claro ejemplo. Se trata de buscar expresiones musicales en el propio folklore.
Aparecen diferentes tipos de modulaciones y diferentes giros melódicos para cada pueblo. Basta escuchar algún pasaje de la suite “Iberia” de Albéniz para descubrir en ella melodías populares (en “El corpus en Sevilla” puede observarse como es una armonización de “la Tarara”) o cadencias, modulaciones y melodías propias andaluzas, lo que nos demuestra el interés por resucitar la música popular propia de cada país, al mismo tiempo que sirve para expresar los sentimientos del propio autor.
Casi todos los músicos y escritores musicales creen que en la ópera wagneriana “Tristan e Isolda” nace el principio de la música del siglo XX, aunque hay voces que señalan otros caminos y que no están por ello de acuerdo con la mayoría.
La música hasta el Romanticismo se componía siempre dentro de las leyes de la tonalidad y normalmente una obra estaba en un tono principal, que se enunciaba: sinfonía en Do menor, sonata en Si bemol mayor, por ejemplo. Las leyes que encadenan los sonidos en la tonalidad se suponen basadas en la propia estructura funcional del oído humano, y son las que rigen en la música popular, mucho más sencilla que la culta, incluso hoy día.
En cada tono existe una escala de notas dispuestas de determinada manera: las intermedias se llaman notas cromáticas, y el empleo frecuente de esas notas cromáticas produce el "cromatismo" de la armonía, y, como consecuencia, una especie de desorientación en el oído del que escucha, con sensación de pérdida de la tonalidad.
En Tristán e Isolda, Wagner emplea tal exceso de cromatismo que no se sabe casi nunca en qué tonalidad se está moviendo. La melodía resbala constantemente de una tonalidad a otra vecina. Dado que la música del siglo XX está generalmente basada en la destrucción de la tonalidad, por eso se quiere ver en el Tristán esa función precursora y evolucionadora.
En su primera etapa como compositor, Schönberg se movió dentro del campo de la tonalidad, y su investigación se situó en la profundización de las diferencias de las relaciones tonales, que en su impetuosa expresividad conectaba con el movimiento expresionista. Esta etapa culminó en 1909 con su composición Erwartung. En ella el divisionismo de la música impresionista alcanzó sus límites en la importancia otorgada a las disonancias aisladas, en las que cada nota se constituía como un mundo propio. La ruptura del lenguaje musical era ya una evidencia que terminó desembocando en la introducción de la atonalidad. El expresionismo vienés representado por Schönberg, Alban Berg y Antón Webern profundizó en la abstracción musical una vez destruida la unidad armónica.
En 1909, Schönberg se vio sumido en una profunda crisis creativa, consciente del agotamiento del camino recorrido. De ella salió mediante la abolición el sistema armónico diatónico, sobre el que se había asentado desde el Renacimiento todo el lenguaje musical. Con el rechazo de la tonalidad y la introducción de la atonalidad, Schönberg proclamó la "emancipación de la disonancia", que ya no quedó constreñida al mero papel afirmador de la consonancia, establecida como el valor supremo de la composición musical. Con Schönberg se completó la destrucción del lenguaje moderno: aquí el lenguaje musical, en Mallarmé el poético y en Nietzsche el filosófico. Con el movimiento dadá se produjo la aniquilación del arte.
RECURSOS D IDÁCTICOS
Como dijimos al comenzar el tema, la modulación no va a ser un tema muy tratado en el aula, dada su complejidad del mismo, sin embargo hay muchos aspectos que sí podemos trabajar y donde nos va a ser muy útil la modulación.
A través de audiciones desarrollaremos en nuestros alumnos la capacidad para apreciar los cambios sonoros producidos por la modulación en obras musicales.
Una labor importante del profesor será elegir piezas breves donde se produzcan modulaciones fácilmente reconocibles por el oído.
En el caso de que se module de modo mayor a modo menor, les podemos preguntar a nuestros alumnos, cuándo la música denota alegría (modo mayor) y cuando denota tristeza (modo menor).
Podemos trabajar la improvisación y la dramatización asociando movimientos corporales a la obra escuchada, así a los fragmentos alegres les asociamos movimientos amplios, a los fragmentos más tristes, movimientos más recogidos, etc.
En cuanto a la educación instrumental, es difícil llevar a cabo este tema. Únicamente en los últimos cursos de primaria y sólo si se ha tenido una sólida base musical se podría trabajar alguna melodía con una modulación sencilla, para poder ser interpretada.
Los ejemplos están tomados del libro "Teoría Musical y Armonía Moderna I" de Enric Herrera y editado por Antoni Bosch.
LA MODULACIÓN. PROCEDIMIENTOS Y EJEMPLOS DE SU MECÁNICA. FUNCIÓN EXPRESIVA. RECURSOS DIDÁCTICOS PARA TRABAJAR EN EL AULA.
“La monotonía es imperdonable en el arte” Otto Karòly
Introducción:
Nuestra concepción de tonalidad es la idea de que una pieza tonal “está” en una determinada tonalidad, lo que implica que esa tonalidad particular define una sola tónica para la pieza. Resulta indeseable estéticamente para una obra permanecer en una sola tonalidad, a no ser que sea una pieza corta. Todas las composiciones de cierta longitud incluyen notas que no pertenecen a la escala diatónica básica. Un cambio de tonalidad supone una maravilla a nuestros oídos, una nueva adopción de referente tonal, una nueva paleta sonora, nuevos colores. La modulación no solo es necesaria por razones psicológicas, sino por razones estéticas y expresivas.
Podemos poner el ejemplo de la Tercera Sinfonía de Beethoven, en Mi bemol Mayor. Cierto, su primer movimiento comienza y acaba con dicha tríada (Mib, Sol, Sib), dura aproximadamente unos 20 minutos. La tonalidad imperante es Mib Mayor pero está continuamente abandonando la escala de Mib Mayor, a otras tonalidades próximas como Si bemol Mayor o La bemol Mayor....también a otras lejanas como Mi menor. Nosotros percibimos que estas tonalidades mantienen una relación compositiva ya que forman parte de una composición musical. Ya será el análisis el que determinará las relaciones tonales que Beethoven plasmó. Indudablemente a nuestro nivel de Educación Musical sería farragoso y absurdo el análisis de sinfonías. En todo caso, conocer los mecanismos que componen la modulación para su posterior aplicación en el trabajo del aula es una interesante cuestión. No va a ser sin embargo un recurso didáctico muy empleado en el aula, dada la complejidad de su mecánica y audición y la edad de los alumnos/as a los cuales impartiremos nuestra materia. Sin embargo, esto no es impedimento para que nosotros como docentes sepamos todo lo concerniente a la modulación (tipos, procedimientos, etc…) para trabajar en el aula de forma creativa y sacando el mayor partido a las piezas escuchadas.
LA MODULACIÓN
Concepto y función:
La modulación es el cambio de tono que se produce en un fragmento musical, así como al proceso seguido para realizar dicho cambio. Este cambio de centro tonal puede producirse por medio de la melodía, la armonía o ambas cosas a la vez. Una modulación será más definida, más natural cuanto más cercanas se hallen los tonos entre los cuales se va a producir la modulación por existir entre ambos una relación de sonidos más directa, más afín; es decir, que entre los sonidos componentes de la tonalidad anteriormente determinada y la nueva haya menor diferencia de alteraciones ya sean éstas propias o aquellas que corresponden a las variantes de los diferentes tipos de escala.
Según su duración, las modulaciones pueden ser:
- Definitivas: Su duración es suficiente para hacernos olvidar la anterior.
- Intermedias (falsa modulación): Se extiende solo por unos compases, para regresar pronto a la tonalidad anterior.
Básicamente, y teniendo en cuenta la progresión armónica, se puede modular por medio de varios procedimientos:
- Directamente desde un acorde de un tono a otro de otro tono (Modulación directa)
- Usando uno o varios acordes que tengan relación con ambos tonos utilizándolos de puente o de enlace (pivote).
- Cambio de Modo: Se trata de modular de una tonalidad a otra, cuya armadura es diferente pero la escala base es idéntica. Se trata por tanto de pasar del modo mayor al modo menor o viceversa de tonalidades estructuradas sobre una misma nota. Modular de Do Mayor a Do menor. (Claro de Luna Beethoven) El cambio de modo se emplea para dar contraste en periodos de una misma frase musical y para conseguir contrastes luminosos (3ª picarda).
- A través de una sucesión de acordes siguiendo el ciclo de quintas. (Esta no se emplea como recurso en música escolar dada sus características).
-Modulación directa:
Es el tipo más abrupto entre los tres citados. Literalmente, el nuevo tono nos coge por sorpresa. Es una modulación sin ningún tipo de preparación. La forma más típica de modulación directa se produce al terminar una frase en un tono y comenzar la siguiente en otro. Lo normal es que la frase que acaba lo haga con el acorde de tónica y la que comienza con el acorde de tónica del nuevo tono. Sin embargo, la modulación directa también puede producirse desde otros acordes diatónicos, y entrar en el nuevo acorde no forzosamente con el nuevo acorde de tónica, sino con otros acordes diatónicos a la nueva tonalidad.
Casos de modulación directa entre acordes diatónicos cualesquiera también son posibles, y no necesariamente en un final de frase. En estos, el movimiento entre las fundamentales del acorde de un tono a la del acorde del nuevo tono, acostumbra a ser por grado conjunto.
- Modulación por medio de acordes de enlace:
La más suave de las tres ya que está basada en acordes relacionados con los dos tonos a los que sirven de unión. El oído abandona el centro tonal y entra en el nuevo sin brusquedad. Esto dependerá de la cantidad y claridad de los acordes usados como puente o unión. Estos acordes los denominaremos “pivotes”. Hay tres tipos de acordes pivotes, los principales, secundarios y relativos aunque nosotros solo estudiaremos los primeros.
• Principales: Se consideran acordes de enlaces principales los que son diatónicos a los dos tonos que sirven de unión. Así pues, la modulación usando acordes principales será posible entre tonalidades que tengan 2 o menos alteraciones de diferencia, ya que solo en estos casos se encuentran acordes diatónicos comunes. Entre Do Mayor y La Mayor no existe ningún acorde diatónico común a ambas tonalidades ya que la diferencia de alteraciones es de 3. Sin embargo, cuando la diferencia es de 2 alteraciones, el acorde del grado II de una tonalidad es el mismo que el III de la otra.
(2 sostenidos de diferencia)
Tono Do Mayor: Tercer grado = Mi menor.
Tono Re Mayor: Segundo grado = Mi menor.
(2 bemoles de diferencia)
Tono Do Mayor: Segundo grado = Re menor.
Tono Sib Mayor: Tercer grado = Re menor.
Cuando la diferencia de alteraciones entre tonalidades es de una, tres son los acordes diatónicos comunes:
Do M Rem Mim FaM SolM Lam Sim(b5)
Tono Do: I II III IV V VI VII
Tono Fa: VI I III
Tono Sol: IV VI II
Además, entre una tonalidad mayor y su relativo menor los siete acordes de la escala mayor son comunes a los siete de la escala menor, con lo que todos ellos podrán ser acordes de enlace principales.
Do M Rem Mim FaM SolM Lam Sim(b5)
Tono Do: I II III IV V VI VII
Tono Am: bIII IV V bVI bVII I II
TONOS VECINOS:
Son aquellos que se diferencian en una sola alteración. Su modulación entre ellos es muy frecuente, además de suave y agradable ya que comparten varios acordes pivotes.
Los acordes diatónicos a una determinada escala mayor o menor son los tonos vecinos relacionados con dicha escala tomada como base; hay que exceptuar, sin embargo, el acorde que se forma sobre el séptimo grado de la escala mayor y el segundo de la menor ya que, este, no es un acorde perfecto y no es un centro tonal válido.
II Re Menor
III Mi menor
Do Mayor IV Fa Mayor
V Sol Mayor
VI La menor (relativo principal)
bIII Do Mayor (relativo principal)
IV Re menor
V Mi menor
La menor bVI Fa Mayor
bVII Sol Mayor
FUNCIÓN EXPRESIVA.
La función de la modulación es dar variedad y riqueza expresiva, que se consigue mediante el desarrollo temático y los contrastes.
* El desarrollo temático consiste en convertir un fragmento menor en otro de mayor extensión por medio de la variación tímbrica, la modulación o ambos procedimientos a la vez. Beethoven poseía una gran capacidad de desarrollo temático, ya que con solo 4 notas (3 de ellas iguales) logra componer el primer movimiento de la 5ª Sinfonía, mediante progresiones de ese motivo y posteriores modulaciones.
La modulación nos permite jugar con la expresividad de la línea melódica. Nos permite disfrutar de distinta luminosidad.
El fin que persigue la utilización del recurso de la modulación es enriquecer la melodía y la armonía, dotándola de unas pinceladas de distintos contrastes sonoros y evitar monotonías, ya que antes de algo novedoso, se produce una activación de la atención.
Los autores consideran la modulación como un gran recurso artístico. El fin que persigue es enriquecer la melodía y dotarla de una pincelada de contrastes sonoros y evitar la monotonía.
EVOLUCIÓN HISTÓRICA
Como bien señalamos al principio, la monotonía es imperdonable en todo arte, por ello a lo largo de la historia de la música, (sobre todo a partir del siglo XVII), la modulación ha sido utilizada como un recurso de suma importancia para evitar esa monotonía, dándole una riqueza tanto expresiva como estética a las composiciones.
Como veremos a continuación, la modulación ha tenido épocas con mayor auge que otras, habiendo sido utilizada además con diferentes fines.
No será hasta el siglo XV, en pleno Renacimiento, cuado empezaremos a hablar de modulación propiamente dicha. En esta época el arte seglar rivaliza con la polifonía religiosa. La polifonía profana apuntará hacia los modos mayor y menor actuales. En el renacimiento aparecen los actuales nombres de las voces (soprano, contralto, tenor, bajo). La polifonía profana encontrará su máximo desarrollo en el madrigal italiano.
A principios del siglo XVII, el madrigal adquiere un carácter más dramático y virtuosístico, valiéndose como medios expresivos, de las disonancias, cromatismos, entrando así en el mundo de las modulaciones.
Ya en el Barroco, los modos modernos sustituyen definitivamente a los eclesiásticos. Pero para el estudio de la modulación y expresión dentro de este período musical nos centraremos en uno de los compositores más importantes, no sólo de esta época, sino también de la historia de la música como es J.S Bach.
Bach resume el pasado de los siglos precedentes, empalmando el gótico y el barroco a través de la imitación, el canon y la fuga, pero al mismo tiempo que cierra un período abre una nueva época en el dominio de la expresión y la construcción musical.
Bach necesita poner énfasis en el contenido de las palabras cuya expresión trata de graduar mediante un adecuado empleo de imágenes sonoras. Así el dolor se expresa mediante una línea cromática descendente, la repetición de notas en movimiento rápido expresan el terror.
Es este compositor el que empieza a hacer de las modulaciones uno de los elementos más importantes para componer sus obras, para expresar sus sentimientos. La mayoría de las modulaciones las realiza utilizando un acorde mixto y progresiones modulantes intratonales (dentro de una misma tonalidad). Las modulaciones serán pasajeras, ya que, aunque a veces sean muy amplias, siempre volverán al punto de partida.
Pero quizá lo más sorprendente de Bach, es la facilidad para componer obras extraordinarias, llenas de sentimiento, ricas en variedad, con pocos recursos armónicos utilizados, apenas utilizaba progresiones modulantes intratonales, acordes sin alterar, modulaciones a tonos vecinos mediante acordes mixtos. Fue capaz con ello de componer obras de gran importancia como “El arte de la fuga” o “Pasión según San Mateo” , por no citar numerosas cantatas y corales de extraordinaria belleza.
Pasamos así al Clasicismo, donde la música es objetiva, contenida en emociones, refinada, elegante, algo superficial, pero nunca pobre. La claridad y simplicidad es la nota predominante de la música de esta época.
La armonía es transparente, no cromática, las modulaciones son utilizadas para relacionar temas y secciones, las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza. Las modulaciones por tanto se utilizan para dar variedad a la melodía pero no para expresar sentimientos como en el barroco, para ello los compositores de esta época se valdrán del ritmo, la dinámica (fuerte, piano, crescendo, diminuendo, etc) aunque este último aspecto será más trabajado en el romanticismo, ya que la música clásica no tiene grandes arrebatos.
En el Romanticismo, la música se hace más humana, se acerca al pueblo, aparecen los estilos musicales, según las tradiciones, folklore y valores nacionales de cada pueblo.
Se buscan los contrastes musicales y de oposiciones acentuadas capaces de evocar y sugerir sentimientos a través de variados ritmos, orquestación, matices y un elemento de suma importancia en este período será la modulación a través de la cual se conseguirá una música deslumbrante, apasionada y espectacular.
Uno de los métodos más empleado para modular será la enarmonía de un acorde, se alteraran acordes ya existentes, creando acordes nuevos como el de sexta napolitana, que se forma sobre el segundo grado de la escala pero rebajado, y en primera inversión.
Ej: Fa LA Re b (primera inversión).
Este tipo de acordes producen un ensanchamiento armónico y junto con las disonancias y cromatismos crearan un colorido más rico y un ambiente de mayor expresión subjetiva. Esto nos llevará a una cierta vaguedad tonal.
Con esa vaguedad tonal, llegamos al impresionismo donde al igual que en pintura lo que más interesa es la luz y el color. Se rechazan tonalidades clásicas, utilizando multitud de acordes sin que domine ninguno, no existen atracciones entre ellos como sucedía en la armonía clásica.
Lo que más interesa es el colorido y la sonoridad sensual de cada acorde en sí, es por tanto, música de sensación más que de cerebro.
Se utilizan escalas orientales y exóticas que no tengan las atracciones de escalas occidentales. Al no aparecer tonalidad claramente definida o estar definida con vaguedad, las modulaciones serán pasajeras, sin ningún método concreto, o en otros casos ni siquiera existirán.
Posteriormente aparecen los nacionalismos, donde todos los países comenzarán a tomar conciencia de sus valores, el sinfonismo y la ópera alemana son un claro ejemplo. Se trata de buscar expresiones musicales en el propio folklore.
Aparecen diferentes tipos de modulaciones y diferentes giros melódicos para cada pueblo. Basta escuchar algún pasaje de la suite “Iberia” de Albéniz para descubrir en ella melodías populares (en “El corpus en Sevilla” puede observarse como es una armonización de “la Tarara”) o cadencias, modulaciones y melodías propias andaluzas, lo que nos demuestra el interés por resucitar la música popular propia de cada país, al mismo tiempo que sirve para expresar los sentimientos del propio autor.
Casi todos los músicos y escritores musicales creen que en la ópera wagneriana “Tristan e Isolda” nace el principio de la música del siglo XX, aunque hay voces que señalan otros caminos y que no están por ello de acuerdo con la mayoría.
La música hasta el Romanticismo se componía siempre dentro de las leyes de la tonalidad y normalmente una obra estaba en un tono principal, que se enunciaba: sinfonía en Do menor, sonata en Si bemol mayor, por ejemplo. Las leyes que encadenan los sonidos en la tonalidad se suponen basadas en la propia estructura funcional del oído humano, y son las que rigen en la música popular, mucho más sencilla que la culta, incluso hoy día.
En cada tono existe una escala de notas dispuestas de determinada manera: las intermedias se llaman notas cromáticas, y el empleo frecuente de esas notas cromáticas produce el "cromatismo" de la armonía, y, como consecuencia, una especie de desorientación en el oído del que escucha, con sensación de pérdida de la tonalidad.
En Tristán e Isolda, Wagner emplea tal exceso de cromatismo que no se sabe casi nunca en qué tonalidad se está moviendo. La melodía resbala constantemente de una tonalidad a otra vecina. Dado que la música del siglo XX está generalmente basada en la destrucción de la tonalidad, por eso se quiere ver en el Tristán esa función precursora y evolucionadora.
En su primera etapa como compositor, Schönberg se movió dentro del campo de la tonalidad, y su investigación se situó en la profundización de las diferencias de las relaciones tonales, que en su impetuosa expresividad conectaba con el movimiento expresionista. Esta etapa culminó en 1909 con su composición Erwartung. En ella el divisionismo de la música impresionista alcanzó sus límites en la importancia otorgada a las disonancias aisladas, en las que cada nota se constituía como un mundo propio. La ruptura del lenguaje musical era ya una evidencia que terminó desembocando en la introducción de la atonalidad. El expresionismo vienés representado por Schönberg, Alban Berg y Antón Webern profundizó en la abstracción musical una vez destruida la unidad armónica.
En 1909, Schönberg se vio sumido en una profunda crisis creativa, consciente del agotamiento del camino recorrido. De ella salió mediante la abolición el sistema armónico diatónico, sobre el que se había asentado desde el Renacimiento todo el lenguaje musical. Con el rechazo de la tonalidad y la introducción de la atonalidad, Schönberg proclamó la "emancipación de la disonancia", que ya no quedó constreñida al mero papel afirmador de la consonancia, establecida como el valor supremo de la composición musical. Con Schönberg se completó la destrucción del lenguaje moderno: aquí el lenguaje musical, en Mallarmé el poético y en Nietzsche el filosófico. Con el movimiento dadá se produjo la aniquilación del arte.
RECURSOS D IDÁCTICOS
Como dijimos al comenzar el tema, la modulación no va a ser un tema muy tratado en el aula, dada su complejidad del mismo, sin embargo hay muchos aspectos que sí podemos trabajar y donde nos va a ser muy útil la modulación.
A través de audiciones desarrollaremos en nuestros alumnos la capacidad para apreciar los cambios sonoros producidos por la modulación en obras musicales.
Una labor importante del profesor será elegir piezas breves donde se produzcan modulaciones fácilmente reconocibles por el oído.
En el caso de que se module de modo mayor a modo menor, les podemos preguntar a nuestros alumnos, cuándo la música denota alegría (modo mayor) y cuando denota tristeza (modo menor).
Podemos trabajar la improvisación y la dramatización asociando movimientos corporales a la obra escuchada, así a los fragmentos alegres les asociamos movimientos amplios, a los fragmentos más tristes, movimientos más recogidos, etc.
En cuanto a la educación instrumental, es difícil llevar a cabo este tema. Únicamente en los últimos cursos de primaria y sólo si se ha tenido una sólida base musical se podría trabajar alguna melodía con una modulación sencilla, para poder ser interpretada.
Los ejemplos están tomados del libro "Teoría Musical y Armonía Moderna I" de Enric Herrera y editado por Antoni Bosch.
LA HISTORIA DE LA GUITARRA ACTUAL
El flamenco – Los guitarristas flamencos. España y México
Este género musical español que ahonda sus raíces en la Baja Andalucía a finales del XVIII, es una forma mestiza en el cual se integran elementos gitanos, árabes e influencias folclóricas autóctonas. Los tres ingredientes con la misma importancia son: el cante, el baile, y la guitarra.
Es una música muy densa y compleja, que ha evolucionado hacia formas muy diversas a lo largo de los años. Como el blues, el flamenco surge del sufrimiento y de las emociones de un pueblo muy localizado geográficamente, pero que, desde entonces, se ha difundido internacionalmente gracias a artistas como Paco de Lucía, que empujó los límites del flamenco hacia nuevas dimensiones, a pesar del descontento de muchos de sus colegas más tradicionales. Pero el guitarrista, inspirado por muy diversos estilos musicales, justifica sus desviaciones con la siguiente filosofía: "El flamenco tiene demasiado carácter y potencia emocional para permanecer eternamente estático".Los rasgos distintivos del flamenco remiten al uso de una escala particular, el modo frígio, con vestigios de influencias árabes heredadas de las invasiones del final del primer milenio.
El flamenco también contiene huellas de la música india, como en el uso de intervalos inferiores al medio tono (una particularidad que también encontramos en el blues). El flamenco se extendió primero por toda Andalucía, después por numerosos lugares de España gracias a los bares flamencos, espacios especializados en este tipo de conciertos. El primer local de tales características se abrió en Sevilla en 1842, y luego proliferaron por todo el país, permitiendo a los artistas más prestigiosos vivir de su música, al menos hasta su progresiva disminución a partir de 1920. Al entrar en contacto con un público menos iniciado, la música flamenca perdió algo de su autenticidad. La influencia de los empresarios, como ocurre a menudo, empezó a diluir la música original; primero aparecieron las castañuelas, luego los guitarristas menos experimentados entretenían a un público poco iniciado, con guantes y calcetines en sus manos. A pesar de todo, la permanencia, incluso la buena fortuna, constituyen el destino último del flamenco.
Así como los humildes músicos del delta se trasladaron a Chicago y a sus alrededores para buscar fortunas, los humildes músicos del sur de España se trasladaron en masa a Madrid. Fue por aquel entonces que Ramón Montoya (1880-1949) estableció los fundamentos de la guitarra moderna del flamenco.
En la década de 1950, el estilo se hizo cada vez más popular en otros países, a medida que artistas como Perico el del Lunar y Román el Granaino exportaban un arte que era más apreciado en Sudamérica y los países angloamericanos que en su propio país nativo. Actualmente, los artistas como Paco Peña o Paco de Lucía han tomado el relevo.
Una vez más, fue Torres el que daría a la guitarra moderna de flamenco su forma básica, con una caja más pequeña y un peso más ligero. Los modelos construidos por Torres tienen a menudo cinco varillas (la mayoría de los fabricantes actuales usan siete), y los trastes se construían a menudo con madera de palisandro en lugar de ébano, lo que aún reducía más el peso del instrumento. Esta construcción aligerada, impuesta muy probablemente por razones económicas, también ofrecía la ventaja de producir guitarras con más resonancia y un volumen más alto, lo que les permite imponerse en un ambiente cargado y denso: podían así acompañar en una posición igualitaria las potentes voces de los cantantes y los pateos rítmicos de los pasos de los bailarines. Las guitarras del flamenco también llevan una protección en sus cajas sonoras, en el nivel de las cuerdas agudas, algunas veces por ambos lados de la abertura del sonido. Esta placa de plástico o de caparazón de tortuga, el golpeador, permite al guitarrista utilizar su instrumento como una percusión sin deteriorarlo, un aspecto sin duda básico para este estilo musical.
La mayoría de los grandes luthiers del flamenco han desarrollado su carrera en España. Tal es el caso de Santos Hernández (1873-1942), de Domingo Esteso (1882-1937) o de Marcelo Berbero (1904-1955. Los últimos grandes maestros vivos son: Gerundino Fernández en Almeria, Manuel Reyes en Córdoba, o de los hermanos Conde en Madrid. En el extranjero, los luthiers especializados en la guitarra flamenca son mucho más escasos que los dedicados a la guitarra clásica, pero existen sin embargo muy buenos fabricantes en Francia, como Maurice Dupont, y en Estados Unidos, como Denis Hill o Benito Huipe.
Los guitarristas flamencos
En los años noventa la guitarra flamenca contó con más y mejores intérpretes que en cualquier otra época, y no sólo debido al magisterio y la influencia de Paco de Lucía. La misma evolución del género lo permitió, así como, sobre todo, la enorme genialidad de los propios músicos que supieron seducir con su inventiva al público. En todos los libros editados sobre flamenco resulta llamativo el hecho de que se conceden muy pocas páginas al estudio del toque; de hecho, sólo Félix Grande, poeta al que además le hubiera gustado ser un guitarrista competente, dedica tiempo y reflexiones a la guitarra. En principio, parece que esto es debido a su condición de eterna subordinada al cante.
Al margen de la reivindicación poética de Ziryab, el Pájaro Negro persa de la prehistoria flamenca, la guitarra flamenca se configuró como tal en el siglo XIX y se dice que fue el Maestro Patiño (1829-1902) quien inventó una pequeña herramienta que sería fundamental para su desarrollo: la cejilla. Ésta permitió al guitarrista adaptarse a la tesitura del cantaor cambiando de tono con sólo deslizarse por los trastes del mástil. Algo tan sencillo fue fundamental para el desarrollo del cante y Patiño fue quien lo perfeccionó.
Constructores granadinos como Antonio de Torres fueron los encargados de asentar la guitarra flamenca en la forma que hoy conocemos. Durante el romanticismo, el cante se hizo sentado y la guitarra fue básica para su interpretación; aunque, según las crónicas, era usual que a finales de siglo, en los cafés-cantantes, los guitarristas hicieran piezas solas, bien como relleno, bien como forma de entretener o calentar al público. Otra cosa sería su función de acompañante del baile, donde a menudo había más de dos guitarras. El guitarrista más renombrado del XIX es el sevillano Paco de Lucena (1859-1898), sobre todo a raíz de su contratación por el Café de Silverio, a donde llegó precedido de una gran fama tras haber actuado con el sobrenombre de el Lentejo. En Jerez, la fama sonrió a Javier Molina Cundí (1868-1956), acompañante durante décadas de Chacón, Torre y la Niña de los Peines. En la década de los años treinta dejó las actuaciones para dedicarse a la enseñanza, y Manuel Morao fue uno de sus discípulos mas aventajados. El siglo XX contó con un guitarrista excepcional que cambió el rumbo del instrumento, el madrileño Ramón Montoya (1879-1949), acompañante de la Niña de los Peines en las sesiones de 1910 e inseparable de Chacón entre los años 1912 y 1926. Por residir en Madrid y por su depurada técnica, fue el guitarrista más solicitado para las grabaciones hechas en soporte de cera y pizarra. En 1934 dio un concierto en París que abrió una nueva forma expresiva para los guitarristas europeos. Entonces emprendió un importante periplo internacional. En 1936 se publicó en París un estuche con varios discos de pizarra que sirvieron de base para el aprendizaje del instrumento.
Hay un antes y un después de Ramón Montoya. Al antes pertenecerían nombres como los citados u otros menores: Paco el Barbero, Juan Gandulla, Luis Molina, José Capinetti y Miguel Borrull Castelló. Este último coincidió con Montoya en Madrid y fue su discípulo más directo. El guitarrista oficial del Concurso de Granada de 1922 fue el Niño de Huelva o Manolo de Huelva (1892-1976), aunque en las grabaciones hechas después por Manuel Torre y el Tenazas de Morón en Madrid el acompañante fue Hijo de Salvador. Estos guitarristas acompañaron a los grandes nombres junto a otros como Carlos Verdeal, Luis el Pavo, Pepe de Badajoz o Manuel Bonet, que grabaron gran parte del marchenismo y la etapa de la ópera flamenca. Tras la figura de Ramón Montoya destacan cinco nombres excepcionales: Niño Ricardo, Sabicas, Melchor de Marchena, Diego el del Gastor y Perico el del Lunar. Ellos son los grandes guitarristas de la primera mitad del siglo XX. Perico el del Lunar (Jerez, 1894-Madrid, 1964) fue el primer y gran guitarrista del tablao Zambra de Madrid. Dirigió las sesiones de la Antología del Cante Flamenco de 1954 y anteriormente del colmao Villa Rosa. Acompañó a multitud de cantaores en sesiones discográficas. Dio conferencias en la Sorbona, recorrió medio mundo y grabó en México otra gran Antología flamenca de cuatro vinilos para el sello Orfeón. Niño Ricardo (Manuel Serrapi Sánchez, Sevilla, 1904-1972) es quizás el más prolífico de todos los guitarristas del siglo XX. Acompañó a todos los grandes, desde Tomás Pavón a Antonio Mairena, de Pepe Marchena a Manolo Caracol, pero siempre consideró que el mejor había sido el primero con quien tocó, Manuel Torre. Paco de Lucía le consideró su maestro.
Sabicas (Agustín Castellón Campos, Pamplona, 1912-Nueva York, 1990) ha sido elguitarrista de más influencia fuera de España. En 1934 dejó boquiabierto al entonces rey Niño Ricardo, en una actuación en la plaza de la Maestranza. Su toque fue tan bueno que le obligaron a dar la vuelta al ruedo. En 1936 viajó por primera vez a América junto a la compañía de Carmen Amaya, de quien se dice fue su auténtico amor. Actuó por todo el mundo con éxito e influencia notable, y finalmente se instaló en Nueva York, desde donde ejerció un importante magisterio. Melchor de Marchena (Melchor Jiménez Torres, Marchena, 1907-Madrid, 1980) fue también muy prolífico. Recibió la aclamación total en 1965 con el premio de la Cátedra de Jerez. Cantaores clásicos como los Pavón, Manolo Caracol o Antonio Mairena se lo disputaron con ahínco. Pero fue José Menese quien le sacó los toques más personales. Tras su muerte, su hijo Enrique de Melchor siguió su escuela y la fidelidad a Menese. -Diego el del Gastor (Diego Flores Amaya, Arriate, 1908-Morón de la Frontera, 1973) fue un guitarrista gitano que levantó pasiones. Su entierro fue retransmitido por la emisora local de radio de Morón y en Nueva York hay una escuela de guitarra que lleva su nombre. Su cuñado, Joselero, y el hijo de éste, Dieguito de Morón, le dedicaron sendos discos como homenaje. En el año sesenta se publicó un curiosísimo disco donde Niño Ricardo y Melchor de Marchena hicieron dos bulerías a dúo, era un hecho raro, pero no único, ya que cinco años antes, en 1955, Paco Aguilera había hecho otros dos con Antonio González el Pescaílla. Casos modelo de algo que era común en la época de los cafés-cantantes y que debió de prolongarse en algunos colmaos y tablaos, aunque nos han llegado muy pocos ejemplos. Ni que decir tiene que junto a ellos destacaron también innumerables guitarristas: Juan Carmona Habichuela, el padre de los Ketama; Miguel Borrull hijo y su discípulo Andrés Batista, uno de los pocos guitarristas catalanes de flamenco (nacido en Barcelona en 1937); y Manuel Cano (Granada, 1926-1990), catedrático del conservatorio de Córdoba y uno de los estudiosos más eruditos del tema. Su libro de 1986, La guitarra: Historia, estudios y aportaciones al Arte Flamenco es una obra fundamental de la literatura al respecto. En los años cuarenta surgió una serie importantísima de guitarristas, todos ellos fecundos creadores y renovadores del instrumento: Víctor Monje Serranito (Madrid, 1942), Paco Cepero (Jerez, 1942), Pedro Peña (Córdoba, 1942), Manolo Sanlúcar (1943), Pepe Habichuela (Granada, 1944), Parrilla de Jerez (1945), Paco de Lucía (Algeciras, 1947), Ricardo Miño (Sevilla, 1949) y, un poco después, Enrique de Melchor (Marchena, 1951). Son una generación prolífica en cantidad y calidad. Todos ellos, en mayor o menor medida, renovaron el lenguaje de la guitarra, acompañaron magistralmente a diversos cantaores y realizaron obras en solitario muy innovadoras. Serranito fue de los primeros en grabar en concierto, pero luego todos lo han hecho.
Paco de Lucía es el número uno indiscutible, pero Sanlúcar tiene obras sensacionales, como Tauromagia o Aljibe. Miño tiene varias obras sorprendentes con Gualberto. Enrique de Melchor es sensacional en discos como Arco de las Rosas.La lista de guitarristas creativos se hace muy extensa a partir de los cincuenta. Todos tienen en común la aceptación de Paco de Lucía como maestro absoluto. Pedro Bacán (Lebrija, 1951-1997), Diego Carrasco, que también es cantaor (Jerez, 1954), Moraito Chico (Jerez, 1956), Tomatito (Almería, 1958), Salva del Real (Castellón, 1958), Xesus Pimentel (Palencia, 1959), Raimundo Amador (Sevilla, 1960), Gerardo Núñez este guitarrista es sin lugar a duda uno de los más solidos en el panorama actual. (Jerez, 1961), Rafael Riqueni (Sevilla, 1962), José Antonio Rodríguez (Córdoba, 1964), Juan Manuel Cañizares (Sabadell, 1966), Vicente Amigo (Guadalcanal, 1967), José Luis Rodríguez (Ceuta, 1967) Paco Rentería (Guadalajara, 1972)... y, por último, el fenómeno Rayito (Madrid, 1983). España tiene en la actualidad un plantel de excelentes guitarristas que han sabido aunar el legado de la tradición con la evolución del estilo, haciendo que este arte se mantenga más vivo que nunca. Sin embargo existen otros países que albergan músicos dispuestos a romper barreras y fronteras con gran éxito.
Este género musical español que ahonda sus raíces en la Baja Andalucía a finales del XVIII, es una forma mestiza en el cual se integran elementos gitanos, árabes e influencias folclóricas autóctonas. Los tres ingredientes con la misma importancia son: el cante, el baile, y la guitarra.
Es una música muy densa y compleja, que ha evolucionado hacia formas muy diversas a lo largo de los años. Como el blues, el flamenco surge del sufrimiento y de las emociones de un pueblo muy localizado geográficamente, pero que, desde entonces, se ha difundido internacionalmente gracias a artistas como Paco de Lucía, que empujó los límites del flamenco hacia nuevas dimensiones, a pesar del descontento de muchos de sus colegas más tradicionales. Pero el guitarrista, inspirado por muy diversos estilos musicales, justifica sus desviaciones con la siguiente filosofía: "El flamenco tiene demasiado carácter y potencia emocional para permanecer eternamente estático".Los rasgos distintivos del flamenco remiten al uso de una escala particular, el modo frígio, con vestigios de influencias árabes heredadas de las invasiones del final del primer milenio.
El flamenco también contiene huellas de la música india, como en el uso de intervalos inferiores al medio tono (una particularidad que también encontramos en el blues). El flamenco se extendió primero por toda Andalucía, después por numerosos lugares de España gracias a los bares flamencos, espacios especializados en este tipo de conciertos. El primer local de tales características se abrió en Sevilla en 1842, y luego proliferaron por todo el país, permitiendo a los artistas más prestigiosos vivir de su música, al menos hasta su progresiva disminución a partir de 1920. Al entrar en contacto con un público menos iniciado, la música flamenca perdió algo de su autenticidad. La influencia de los empresarios, como ocurre a menudo, empezó a diluir la música original; primero aparecieron las castañuelas, luego los guitarristas menos experimentados entretenían a un público poco iniciado, con guantes y calcetines en sus manos. A pesar de todo, la permanencia, incluso la buena fortuna, constituyen el destino último del flamenco.
Así como los humildes músicos del delta se trasladaron a Chicago y a sus alrededores para buscar fortunas, los humildes músicos del sur de España se trasladaron en masa a Madrid. Fue por aquel entonces que Ramón Montoya (1880-1949) estableció los fundamentos de la guitarra moderna del flamenco.
En la década de 1950, el estilo se hizo cada vez más popular en otros países, a medida que artistas como Perico el del Lunar y Román el Granaino exportaban un arte que era más apreciado en Sudamérica y los países angloamericanos que en su propio país nativo. Actualmente, los artistas como Paco Peña o Paco de Lucía han tomado el relevo.
Una vez más, fue Torres el que daría a la guitarra moderna de flamenco su forma básica, con una caja más pequeña y un peso más ligero. Los modelos construidos por Torres tienen a menudo cinco varillas (la mayoría de los fabricantes actuales usan siete), y los trastes se construían a menudo con madera de palisandro en lugar de ébano, lo que aún reducía más el peso del instrumento. Esta construcción aligerada, impuesta muy probablemente por razones económicas, también ofrecía la ventaja de producir guitarras con más resonancia y un volumen más alto, lo que les permite imponerse en un ambiente cargado y denso: podían así acompañar en una posición igualitaria las potentes voces de los cantantes y los pateos rítmicos de los pasos de los bailarines. Las guitarras del flamenco también llevan una protección en sus cajas sonoras, en el nivel de las cuerdas agudas, algunas veces por ambos lados de la abertura del sonido. Esta placa de plástico o de caparazón de tortuga, el golpeador, permite al guitarrista utilizar su instrumento como una percusión sin deteriorarlo, un aspecto sin duda básico para este estilo musical.
La mayoría de los grandes luthiers del flamenco han desarrollado su carrera en España. Tal es el caso de Santos Hernández (1873-1942), de Domingo Esteso (1882-1937) o de Marcelo Berbero (1904-1955. Los últimos grandes maestros vivos son: Gerundino Fernández en Almeria, Manuel Reyes en Córdoba, o de los hermanos Conde en Madrid. En el extranjero, los luthiers especializados en la guitarra flamenca son mucho más escasos que los dedicados a la guitarra clásica, pero existen sin embargo muy buenos fabricantes en Francia, como Maurice Dupont, y en Estados Unidos, como Denis Hill o Benito Huipe.
Los guitarristas flamencos
En los años noventa la guitarra flamenca contó con más y mejores intérpretes que en cualquier otra época, y no sólo debido al magisterio y la influencia de Paco de Lucía. La misma evolución del género lo permitió, así como, sobre todo, la enorme genialidad de los propios músicos que supieron seducir con su inventiva al público. En todos los libros editados sobre flamenco resulta llamativo el hecho de que se conceden muy pocas páginas al estudio del toque; de hecho, sólo Félix Grande, poeta al que además le hubiera gustado ser un guitarrista competente, dedica tiempo y reflexiones a la guitarra. En principio, parece que esto es debido a su condición de eterna subordinada al cante.
Al margen de la reivindicación poética de Ziryab, el Pájaro Negro persa de la prehistoria flamenca, la guitarra flamenca se configuró como tal en el siglo XIX y se dice que fue el Maestro Patiño (1829-1902) quien inventó una pequeña herramienta que sería fundamental para su desarrollo: la cejilla. Ésta permitió al guitarrista adaptarse a la tesitura del cantaor cambiando de tono con sólo deslizarse por los trastes del mástil. Algo tan sencillo fue fundamental para el desarrollo del cante y Patiño fue quien lo perfeccionó.
Constructores granadinos como Antonio de Torres fueron los encargados de asentar la guitarra flamenca en la forma que hoy conocemos. Durante el romanticismo, el cante se hizo sentado y la guitarra fue básica para su interpretación; aunque, según las crónicas, era usual que a finales de siglo, en los cafés-cantantes, los guitarristas hicieran piezas solas, bien como relleno, bien como forma de entretener o calentar al público. Otra cosa sería su función de acompañante del baile, donde a menudo había más de dos guitarras. El guitarrista más renombrado del XIX es el sevillano Paco de Lucena (1859-1898), sobre todo a raíz de su contratación por el Café de Silverio, a donde llegó precedido de una gran fama tras haber actuado con el sobrenombre de el Lentejo. En Jerez, la fama sonrió a Javier Molina Cundí (1868-1956), acompañante durante décadas de Chacón, Torre y la Niña de los Peines. En la década de los años treinta dejó las actuaciones para dedicarse a la enseñanza, y Manuel Morao fue uno de sus discípulos mas aventajados. El siglo XX contó con un guitarrista excepcional que cambió el rumbo del instrumento, el madrileño Ramón Montoya (1879-1949), acompañante de la Niña de los Peines en las sesiones de 1910 e inseparable de Chacón entre los años 1912 y 1926. Por residir en Madrid y por su depurada técnica, fue el guitarrista más solicitado para las grabaciones hechas en soporte de cera y pizarra. En 1934 dio un concierto en París que abrió una nueva forma expresiva para los guitarristas europeos. Entonces emprendió un importante periplo internacional. En 1936 se publicó en París un estuche con varios discos de pizarra que sirvieron de base para el aprendizaje del instrumento.
Hay un antes y un después de Ramón Montoya. Al antes pertenecerían nombres como los citados u otros menores: Paco el Barbero, Juan Gandulla, Luis Molina, José Capinetti y Miguel Borrull Castelló. Este último coincidió con Montoya en Madrid y fue su discípulo más directo. El guitarrista oficial del Concurso de Granada de 1922 fue el Niño de Huelva o Manolo de Huelva (1892-1976), aunque en las grabaciones hechas después por Manuel Torre y el Tenazas de Morón en Madrid el acompañante fue Hijo de Salvador. Estos guitarristas acompañaron a los grandes nombres junto a otros como Carlos Verdeal, Luis el Pavo, Pepe de Badajoz o Manuel Bonet, que grabaron gran parte del marchenismo y la etapa de la ópera flamenca. Tras la figura de Ramón Montoya destacan cinco nombres excepcionales: Niño Ricardo, Sabicas, Melchor de Marchena, Diego el del Gastor y Perico el del Lunar. Ellos son los grandes guitarristas de la primera mitad del siglo XX. Perico el del Lunar (Jerez, 1894-Madrid, 1964) fue el primer y gran guitarrista del tablao Zambra de Madrid. Dirigió las sesiones de la Antología del Cante Flamenco de 1954 y anteriormente del colmao Villa Rosa. Acompañó a multitud de cantaores en sesiones discográficas. Dio conferencias en la Sorbona, recorrió medio mundo y grabó en México otra gran Antología flamenca de cuatro vinilos para el sello Orfeón. Niño Ricardo (Manuel Serrapi Sánchez, Sevilla, 1904-1972) es quizás el más prolífico de todos los guitarristas del siglo XX. Acompañó a todos los grandes, desde Tomás Pavón a Antonio Mairena, de Pepe Marchena a Manolo Caracol, pero siempre consideró que el mejor había sido el primero con quien tocó, Manuel Torre. Paco de Lucía le consideró su maestro.
Sabicas (Agustín Castellón Campos, Pamplona, 1912-Nueva York, 1990) ha sido elguitarrista de más influencia fuera de España. En 1934 dejó boquiabierto al entonces rey Niño Ricardo, en una actuación en la plaza de la Maestranza. Su toque fue tan bueno que le obligaron a dar la vuelta al ruedo. En 1936 viajó por primera vez a América junto a la compañía de Carmen Amaya, de quien se dice fue su auténtico amor. Actuó por todo el mundo con éxito e influencia notable, y finalmente se instaló en Nueva York, desde donde ejerció un importante magisterio. Melchor de Marchena (Melchor Jiménez Torres, Marchena, 1907-Madrid, 1980) fue también muy prolífico. Recibió la aclamación total en 1965 con el premio de la Cátedra de Jerez. Cantaores clásicos como los Pavón, Manolo Caracol o Antonio Mairena se lo disputaron con ahínco. Pero fue José Menese quien le sacó los toques más personales. Tras su muerte, su hijo Enrique de Melchor siguió su escuela y la fidelidad a Menese. -Diego el del Gastor (Diego Flores Amaya, Arriate, 1908-Morón de la Frontera, 1973) fue un guitarrista gitano que levantó pasiones. Su entierro fue retransmitido por la emisora local de radio de Morón y en Nueva York hay una escuela de guitarra que lleva su nombre. Su cuñado, Joselero, y el hijo de éste, Dieguito de Morón, le dedicaron sendos discos como homenaje. En el año sesenta se publicó un curiosísimo disco donde Niño Ricardo y Melchor de Marchena hicieron dos bulerías a dúo, era un hecho raro, pero no único, ya que cinco años antes, en 1955, Paco Aguilera había hecho otros dos con Antonio González el Pescaílla. Casos modelo de algo que era común en la época de los cafés-cantantes y que debió de prolongarse en algunos colmaos y tablaos, aunque nos han llegado muy pocos ejemplos. Ni que decir tiene que junto a ellos destacaron también innumerables guitarristas: Juan Carmona Habichuela, el padre de los Ketama; Miguel Borrull hijo y su discípulo Andrés Batista, uno de los pocos guitarristas catalanes de flamenco (nacido en Barcelona en 1937); y Manuel Cano (Granada, 1926-1990), catedrático del conservatorio de Córdoba y uno de los estudiosos más eruditos del tema. Su libro de 1986, La guitarra: Historia, estudios y aportaciones al Arte Flamenco es una obra fundamental de la literatura al respecto. En los años cuarenta surgió una serie importantísima de guitarristas, todos ellos fecundos creadores y renovadores del instrumento: Víctor Monje Serranito (Madrid, 1942), Paco Cepero (Jerez, 1942), Pedro Peña (Córdoba, 1942), Manolo Sanlúcar (1943), Pepe Habichuela (Granada, 1944), Parrilla de Jerez (1945), Paco de Lucía (Algeciras, 1947), Ricardo Miño (Sevilla, 1949) y, un poco después, Enrique de Melchor (Marchena, 1951). Son una generación prolífica en cantidad y calidad. Todos ellos, en mayor o menor medida, renovaron el lenguaje de la guitarra, acompañaron magistralmente a diversos cantaores y realizaron obras en solitario muy innovadoras. Serranito fue de los primeros en grabar en concierto, pero luego todos lo han hecho.
Paco de Lucía es el número uno indiscutible, pero Sanlúcar tiene obras sensacionales, como Tauromagia o Aljibe. Miño tiene varias obras sorprendentes con Gualberto. Enrique de Melchor es sensacional en discos como Arco de las Rosas.La lista de guitarristas creativos se hace muy extensa a partir de los cincuenta. Todos tienen en común la aceptación de Paco de Lucía como maestro absoluto. Pedro Bacán (Lebrija, 1951-1997), Diego Carrasco, que también es cantaor (Jerez, 1954), Moraito Chico (Jerez, 1956), Tomatito (Almería, 1958), Salva del Real (Castellón, 1958), Xesus Pimentel (Palencia, 1959), Raimundo Amador (Sevilla, 1960), Gerardo Núñez este guitarrista es sin lugar a duda uno de los más solidos en el panorama actual. (Jerez, 1961), Rafael Riqueni (Sevilla, 1962), José Antonio Rodríguez (Córdoba, 1964), Juan Manuel Cañizares (Sabadell, 1966), Vicente Amigo (Guadalcanal, 1967), José Luis Rodríguez (Ceuta, 1967) Paco Rentería (Guadalajara, 1972)... y, por último, el fenómeno Rayito (Madrid, 1983). España tiene en la actualidad un plantel de excelentes guitarristas que han sabido aunar el legado de la tradición con la evolución del estilo, haciendo que este arte se mantenga más vivo que nunca. Sin embargo existen otros países que albergan músicos dispuestos a romper barreras y fronteras con gran éxito.
EXTRACTOS DE PUBLICACIONES 2006
PACO RENTERÍA LA NUEVA VOZ DE LA GUITARRA MUNDIAL
No importa el país en donde los encuentres, desde Rumania hasta España, desde Dinamarca a Grecia los gitanos conservan un espíritu salvaje, tribal, desinhibido y hasta provocador, que les convierte en seres al margen de la lógica y el orden instaurado. Ellos viven según otra forma de ver el mundo y otra escala de valores que poco o nada representan las actuales sociedades. Quizás por esta razón, aunque convivimos con ellos a diario, nos sorprenden constantemente con una cultura extraña, de tradiciones exóticas e incomprensibles; así que para tratar de comenzar a apartar nuestra ignorancia y nuestros prejuicios, nada mejor que escuchar Paco Rentería.
En la pista central, como domador de esta descarriada manada de músicas gitanas, latinas. orientales ,flamencas llamadas por el mismo Freeplay, y que regenta desde hace algunos años este club de miles de seguidores de música gitana con tintes balcánicos sazonada con toques contemporáneos, instrumentos exóticos pero sobre todo una sensibilidad al componer e interpretar únicos.
Pero ya sabes que las comunidades gitanas son poco amigas de la rutina y el sedentarismo, así que Paco toma y lleva consigo un espectáculo itinerante que pone patas arriba los festivales y las salas de todo el mundo. Ese jolgorio electro acústico , ese misticismo pasional , a tomado forma en una serie de recopilaciones que siguen difundiendo el espíritu alegre, festivo, exótico y a la vez moderno que propone este músico que no deja de darle un sabor especial a toda esta música por su origen latino México.
La interpretación de sus melodías se convierte en un arma ardiente y sensual; a veces misteriosa, enigmática y sosegada, pero al final siempre trepidante e irresistible para la sensibilidad de cualquier público de cualquier edad y de cualquier lugar. Un antídoto contra lo preestablecido y la monotonía.
Paco recopila temas propios que nos llevan de paseo a través de la Europa gitana, tan cercana y tan desconocida, y que parte desde el Este para desembarcar por momentos en costas más occidentales, con pequeños guiños a los sonidos de esta comunidad en Italia o España. Mediterráneo, Asia, África, Latinoamérica pero sobre todo con el carisma y la presencia y el carácter de un guitarrista virtuoso y excelente compositor arriesgado. Todo ello dulcemente condimentado con una serie de instrumentistas siempre diferentes que le dan al conjunto una lógica y una armonía pasional, enigmática, suave pero definitiva.
ARTS Lan Andell Brown
Cada uno tiene su momento, y el mío fue , apenas la pulsación sobre un acorde y luego el silencio. Un largo silencio. Un pasaje que se repitió a lo largo del toque, pero cuya emoción percibí en el remate de la pieza. Un acorde sencillo.
Me refiero a ese momento que evoca el guitarrista hispano como argumento de su última propuesta, GItanus, un disco largamente esperado que ayer presentó en Festival Sevilla en un concierto dedicado a su madre. El momento al que se refiere es aquél en el que se olvida la técnica, la física, o ésta se hace omnipresente, y sólo queda la pura emoción del instante. O sea, cuando habla el alma, porque, lo dijo alguien que no recuerdo, la música es el lenguaje del alma.
Por supuesto que hubo otros momentos en un concierto pletórico de emoción en el que Rentería se sintió muy cómodo, haciendo bromas con su gente y con el público, incluso cuando un teléfono celular impertinente irrumpió en el comienzo de un tema. Abrió Rentería su concierto con un tema en solitario, una especie de obertura de lo que vendría,
Rentería demostró, con temas como éste, lo que viene demostrando desde hace unos años, que no son necesarios dobles saltos mortales armónicos para conseguir algo más difícil aún que dominar un instrumento. Para conseguir hacer propio un lenguaje, una tradición, en este caso la del toque guitarristico flamenco, que en las manos de Rentería suena como recién parida, propia. Sus temas se caracterizan por una gran calidad melódica, hasta el punto de que en más de una ocasión éstos se subrayan, en sus estribillos o en las variaciones, con una voz, en falsete de fraseo jazzístico. A ello se suma otro aspecto, el dominio del contratiempo rítmico, que le da aún más vida a la melodía, y que hacen de Paco un músico reconocible en el panorama flamenco , pero mas aún musical actual o Freeplay como el la llama. Y eso, como digo, sin ningún tipo de exceso, con toda naturalidad. Las obras de su nueva propuesta obedecen a estas mismas características musicales que lo elevaron al Olimpo de la guitarra en últimos años. Me quedo no obstante con los temas más contemplativos de la nueva entrega. juguetona y viril.
Otro tipo de composiciones más sociales, en tanto que dan opción al diálogo con otros, dominaron no obstante en el concierto de anoche.. Incluso un tema meloso pero que no resultó indigesto en absoluto por el contexto en el que se presento, . Temas rítmicos, en donde se permite compartir sus juegos melódicos con sus compañeros, y que en algunos casos, . Temas en los que el grupo demuestra su compenetración a la hora de escanciar música de correcta factura, con efusivos rasgueos que no llegan a resultar impertinentes jamás. Paco Rentería cuya música se baila con el espíritu hecho carne. Es ancha, se extiende a lo largo de los compases y resuelve en el infinito. Incitante para los entendedores y de asunción inmediata para todos los oídos. A ese hermoso dominio de su mágica sonata se une el donaire personal, que en escena provoca embeleso.
Paco Rentería es un Hispanoamericano pura sangre. Que envidia México.
Josele De Babarí LA NUEVA MAGIA
Extracto de publicaciones encontradas en este 2006.
No importa el país en donde los encuentres, desde Rumania hasta España, desde Dinamarca a Grecia los gitanos conservan un espíritu salvaje, tribal, desinhibido y hasta provocador, que les convierte en seres al margen de la lógica y el orden instaurado. Ellos viven según otra forma de ver el mundo y otra escala de valores que poco o nada representan las actuales sociedades. Quizás por esta razón, aunque convivimos con ellos a diario, nos sorprenden constantemente con una cultura extraña, de tradiciones exóticas e incomprensibles; así que para tratar de comenzar a apartar nuestra ignorancia y nuestros prejuicios, nada mejor que escuchar Paco Rentería.
En la pista central, como domador de esta descarriada manada de músicas gitanas, latinas. orientales ,flamencas llamadas por el mismo Freeplay, y que regenta desde hace algunos años este club de miles de seguidores de música gitana con tintes balcánicos sazonada con toques contemporáneos, instrumentos exóticos pero sobre todo una sensibilidad al componer e interpretar únicos.
Pero ya sabes que las comunidades gitanas son poco amigas de la rutina y el sedentarismo, así que Paco toma y lleva consigo un espectáculo itinerante que pone patas arriba los festivales y las salas de todo el mundo. Ese jolgorio electro acústico , ese misticismo pasional , a tomado forma en una serie de recopilaciones que siguen difundiendo el espíritu alegre, festivo, exótico y a la vez moderno que propone este músico que no deja de darle un sabor especial a toda esta música por su origen latino México.
La interpretación de sus melodías se convierte en un arma ardiente y sensual; a veces misteriosa, enigmática y sosegada, pero al final siempre trepidante e irresistible para la sensibilidad de cualquier público de cualquier edad y de cualquier lugar. Un antídoto contra lo preestablecido y la monotonía.
Paco recopila temas propios que nos llevan de paseo a través de la Europa gitana, tan cercana y tan desconocida, y que parte desde el Este para desembarcar por momentos en costas más occidentales, con pequeños guiños a los sonidos de esta comunidad en Italia o España. Mediterráneo, Asia, África, Latinoamérica pero sobre todo con el carisma y la presencia y el carácter de un guitarrista virtuoso y excelente compositor arriesgado. Todo ello dulcemente condimentado con una serie de instrumentistas siempre diferentes que le dan al conjunto una lógica y una armonía pasional, enigmática, suave pero definitiva.
ARTS Lan Andell Brown
Cada uno tiene su momento, y el mío fue , apenas la pulsación sobre un acorde y luego el silencio. Un largo silencio. Un pasaje que se repitió a lo largo del toque, pero cuya emoción percibí en el remate de la pieza. Un acorde sencillo.
Me refiero a ese momento que evoca el guitarrista hispano como argumento de su última propuesta, GItanus, un disco largamente esperado que ayer presentó en Festival Sevilla en un concierto dedicado a su madre. El momento al que se refiere es aquél en el que se olvida la técnica, la física, o ésta se hace omnipresente, y sólo queda la pura emoción del instante. O sea, cuando habla el alma, porque, lo dijo alguien que no recuerdo, la música es el lenguaje del alma.
Por supuesto que hubo otros momentos en un concierto pletórico de emoción en el que Rentería se sintió muy cómodo, haciendo bromas con su gente y con el público, incluso cuando un teléfono celular impertinente irrumpió en el comienzo de un tema. Abrió Rentería su concierto con un tema en solitario, una especie de obertura de lo que vendría,
Rentería demostró, con temas como éste, lo que viene demostrando desde hace unos años, que no son necesarios dobles saltos mortales armónicos para conseguir algo más difícil aún que dominar un instrumento. Para conseguir hacer propio un lenguaje, una tradición, en este caso la del toque guitarristico flamenco, que en las manos de Rentería suena como recién parida, propia. Sus temas se caracterizan por una gran calidad melódica, hasta el punto de que en más de una ocasión éstos se subrayan, en sus estribillos o en las variaciones, con una voz, en falsete de fraseo jazzístico. A ello se suma otro aspecto, el dominio del contratiempo rítmico, que le da aún más vida a la melodía, y que hacen de Paco un músico reconocible en el panorama flamenco , pero mas aún musical actual o Freeplay como el la llama. Y eso, como digo, sin ningún tipo de exceso, con toda naturalidad. Las obras de su nueva propuesta obedecen a estas mismas características musicales que lo elevaron al Olimpo de la guitarra en últimos años. Me quedo no obstante con los temas más contemplativos de la nueva entrega. juguetona y viril.
Otro tipo de composiciones más sociales, en tanto que dan opción al diálogo con otros, dominaron no obstante en el concierto de anoche.. Incluso un tema meloso pero que no resultó indigesto en absoluto por el contexto en el que se presento, . Temas rítmicos, en donde se permite compartir sus juegos melódicos con sus compañeros, y que en algunos casos, . Temas en los que el grupo demuestra su compenetración a la hora de escanciar música de correcta factura, con efusivos rasgueos que no llegan a resultar impertinentes jamás. Paco Rentería cuya música se baila con el espíritu hecho carne. Es ancha, se extiende a lo largo de los compases y resuelve en el infinito. Incitante para los entendedores y de asunción inmediata para todos los oídos. A ese hermoso dominio de su mágica sonata se une el donaire personal, que en escena provoca embeleso.
Paco Rentería es un Hispanoamericano pura sangre. Que envidia México.
Josele De Babarí LA NUEVA MAGIA
Extracto de publicaciones encontradas en este 2006.
Friday, December 22, 2006
CONCIERTOS EN TEATROS Y FESTIVALES DE LOS ÚLTIMOS 3 AÑOS TAN SOLO EN MÉXICO
FESTIVALES & CONCIERTOS EN TEATROS ETC…
TAN SOLO EN MÉXICO ENTRE 2004, 2005 Y 2006
Festival Cultura Fresnillo 2006
Festival de la Cultura y las Artes 18 de marzo 2006 (Chiapas)
Festival Fray Matias de Córdova 2006 (Tapachula)
Festival Cervantino Barroco 2005
Festival Revueltas 2006
Festival de Sevilla
Festival de Mayo (Jalisco)
Festival de las Artes de Zacatecas
Festival Internacional de Tamaulipas
Festival Alfonso Ortiz Tirado (Sonora)
Festival del Barro (Morelos)
Festival Junio Musical (Xalapa)
Festival Amado Nervo (Nayarit)
Festival Álamos (Sonora)
Festival Hispanoamericano
Festival de las Artes San Luís Potosí
Festival Jolgorio Querétaro
Festival Rosario Castellanos ( Clausura)
Festival del Desierto ( Matéhuala , Real de Catorce )
Festival Centro Histórico
Festival de las Artes de Tehuacan , Puebla
Festival de la Naranja Rio Verde SLP
Festival Internacional de Matamoros
Festival Internacional de Reynosa
Festival Viva Vivaldi ( DF)
Festival Cervantino(Guanajuato)
Festival Cervantes en todas partes ( Guanajuato Interior)
Festival Cultural Fiestas de Octubre ( Guadalajara )
Fstival de las Artes de Zapopan
Festival del Mar ( Huatulco )
Festival Vive la Magia ( Guanajuato)
Festival de Arte Texcoco , Edo. De México
Festival de las Bellas Artes , Chalco Edo. De México.
Festival de las Artes ,Puerto Vallarta Jalisco
Festival de Arte de Mazatlán
Festival Musical Santa Cecilia Tlaltenango
Festival de Música y de la Plata Taxco
Festival de Arte Uruapan Michoacán
Festival y Feria del Aguacate Peribán , Michoacán
Aniversario de la Ciudad de Tijuana
Aniversario de la Ciudad de Aguascalientes
Aniversario de Puerto Escondido , Oax
Feria de San Marcos
Aniversario de Salamanca Guanajuato
Aniversario de Jubentino Rosas. Guanajuato
Teatro Juárez en 4 ocasiones la útima para la celebración de 100 años del recinto
Teatro Degollado 7 ocasiones la útima Festival España de Mayo
Teatro de la Republica
Teatro Ángela Peralta 9 ocasiones
Teatro Ángela Peralta de Mazatlán 3 ocasiones
Teatro Ricardo Castro 2 ocasiones
Teatro Emilio Rabasa de Tuxtla Gutiérrez 2 ocasiones
Teatro Junchavín de Comitán , Chiapas 3 ocasiones
Teatro del Pueblo Nayarit 3 ocasiones
Teatro de la Ciudad de Aguascalientes
Teatro Calderón de Zacatecas
Teatro Manuel Fuelguerez de Zacatecas 3 ocasiones
Teatro Ocampo de Morelia Michoacán 3 ocasiones
Teatro de la Ciudad de México 5 ocasiones
Teatro Caltonzin de Paztcuaro
Teatro de la Ciudad de Monterrey
Teatro San Francisco de Pachuca
Teatro Nacional de CD. Valles
Teatro Rosas Moreno , Lagos de Moreno
Teatro Ram , Tepehuanes Durango
Teatro IMSS Tepic
Teatro IMSS León
Teatro Manuel Doblado León , Guanajuato
Teatro Zebadúa San Cristóbal de las Casas
Teatro del Estado , Veracruz
Teatro Morelos Aguascalientes
Centro nacional de las Artes Sala Blas Galindo
Auditorio Nieto Piña de Celaya
Auditorio Tres Guerras de Celaya
Auditorio Abasolo Dolores Hidalgo
Auditorio Juárez Irapuato
Auditorio Municipal Navojoa , Sonora
Auditorio Benito Juarez de Guadalajara
CECUT Tijuana
Algunos Links con validaciones
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/espectaculo.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/recompensa.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/bravo.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/clausura.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/esplendida.pdf
Ha si también conciertos privados donde destacan algunos políticos que son seguidores de la música de Rentería.
Marcelo de los Santos
Amalia García
Alberto Cárdenas Jiménez
Ignacio Loyola
LISTA DE CONCIERTOS EN EL EXTRANJERO:
TAN SOLO EN MÉXICO ENTRE 2004, 2005 Y 2006
Festival Cultura Fresnillo 2006
Festival de la Cultura y las Artes 18 de marzo 2006 (Chiapas)
Festival Fray Matias de Córdova 2006 (Tapachula)
Festival Cervantino Barroco 2005
Festival Revueltas 2006
Festival de Sevilla
Festival de Mayo (Jalisco)
Festival de las Artes de Zacatecas
Festival Internacional de Tamaulipas
Festival Alfonso Ortiz Tirado (Sonora)
Festival del Barro (Morelos)
Festival Junio Musical (Xalapa)
Festival Amado Nervo (Nayarit)
Festival Álamos (Sonora)
Festival Hispanoamericano
Festival de las Artes San Luís Potosí
Festival Jolgorio Querétaro
Festival Rosario Castellanos ( Clausura)
Festival del Desierto ( Matéhuala , Real de Catorce )
Festival Centro Histórico
Festival de las Artes de Tehuacan , Puebla
Festival de la Naranja Rio Verde SLP
Festival Internacional de Matamoros
Festival Internacional de Reynosa
Festival Viva Vivaldi ( DF)
Festival Cervantino(Guanajuato)
Festival Cervantes en todas partes ( Guanajuato Interior)
Festival Cultural Fiestas de Octubre ( Guadalajara )
Fstival de las Artes de Zapopan
Festival del Mar ( Huatulco )
Festival Vive la Magia ( Guanajuato)
Festival de Arte Texcoco , Edo. De México
Festival de las Bellas Artes , Chalco Edo. De México.
Festival de las Artes ,Puerto Vallarta Jalisco
Festival de Arte de Mazatlán
Festival Musical Santa Cecilia Tlaltenango
Festival de Música y de la Plata Taxco
Festival de Arte Uruapan Michoacán
Festival y Feria del Aguacate Peribán , Michoacán
Aniversario de la Ciudad de Tijuana
Aniversario de la Ciudad de Aguascalientes
Aniversario de Puerto Escondido , Oax
Feria de San Marcos
Aniversario de Salamanca Guanajuato
Aniversario de Jubentino Rosas. Guanajuato
Teatro Juárez en 4 ocasiones la útima para la celebración de 100 años del recinto
Teatro Degollado 7 ocasiones la útima Festival España de Mayo
Teatro de la Republica
Teatro Ángela Peralta 9 ocasiones
Teatro Ángela Peralta de Mazatlán 3 ocasiones
Teatro Ricardo Castro 2 ocasiones
Teatro Emilio Rabasa de Tuxtla Gutiérrez 2 ocasiones
Teatro Junchavín de Comitán , Chiapas 3 ocasiones
Teatro del Pueblo Nayarit 3 ocasiones
Teatro de la Ciudad de Aguascalientes
Teatro Calderón de Zacatecas
Teatro Manuel Fuelguerez de Zacatecas 3 ocasiones
Teatro Ocampo de Morelia Michoacán 3 ocasiones
Teatro de la Ciudad de México 5 ocasiones
Teatro Caltonzin de Paztcuaro
Teatro de la Ciudad de Monterrey
Teatro San Francisco de Pachuca
Teatro Nacional de CD. Valles
Teatro Rosas Moreno , Lagos de Moreno
Teatro Ram , Tepehuanes Durango
Teatro IMSS Tepic
Teatro IMSS León
Teatro Manuel Doblado León , Guanajuato
Teatro Zebadúa San Cristóbal de las Casas
Teatro del Estado , Veracruz
Teatro Morelos Aguascalientes
Centro nacional de las Artes Sala Blas Galindo
Auditorio Nieto Piña de Celaya
Auditorio Tres Guerras de Celaya
Auditorio Abasolo Dolores Hidalgo
Auditorio Juárez Irapuato
Auditorio Municipal Navojoa , Sonora
Auditorio Benito Juarez de Guadalajara
CECUT Tijuana
Algunos Links con validaciones
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/espectaculo.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/recompensa.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/bravo.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/clausura.pdf
http://www.pacorenteriaguitar.com/per/esplendida.pdf
Ha si también conciertos privados donde destacan algunos políticos que son seguidores de la música de Rentería.
Marcelo de los Santos
Amalia García
Alberto Cárdenas Jiménez
Ignacio Loyola
LISTA DE CONCIERTOS EN EL EXTRANJERO:
QUE ES PARA PACO SU FREEPLAY
PACO RENTERÍA & HIS FREEPLAY
Es la libertad de sentir la música al concebirla , al interpretarla es mas que una fusión , es mas que un nuevo género , es una manera de ser , freeplay va acompañado de freelife y freelive , ser quien quieres ser , hacer lo que quieres hacer sin importar convencionalismos , ni normas o reglas , sin justificaciones o tabú. Aunque no es bien vista por los puristas por no seguir más con los cánones musicales, creo que cuando ha habido esa escuela por años como en mi caso de la guitarra clásica y flamenca, personalmente lo veo valido , ya que ninguna de estas disciplinas , cánones y enseñanzas cumplieron el carácter de mi música, mas sin embargo los admiro y los respeto por ser las bases y la historia de la música y de mí música , en otras palabras no vine hacer freeplay sin antes conocer la escuela con todas las bondades y eternas enseñanzas , que durante mucho años, plasme en los conciertos clásicos y flamencos. Freeplay es dejarte llevar por los sonidos del mundo, por los ritmos de la sangre, de la vida, de lo desconocido, donde el único límite sea la imaginación, donde exista una combinación, mezcla o fusión aún imposible de llevar a cabo al margen de limitaciones geográficas políticas, sociales & religiosas, ahí donde me sienta atraído, ahí estaré explorando y descubriendo mas expansiones en mi música. Freeplay tiene también mucho de improvisación ya que en la vida no hay un manual para saber lo que tenemos que enfrentar, nos vamos haciendo al pasar de los días, con la improvisación de nuestros hechos y de nuestros sentimientos.
Freeplay es llevar al máximo los sueños, las aspiraciones, y construir una identidad al margen de lo establecido pero con la estética y el respeto que el arte me merece. Es la libertad de tocar tu alma y no tener miedo a mostrarla con la honestidad de tu inspiración.
Hacer lo que uno tiene que hacer, por tener que hacerlo, estaría bien; pero el no ser, lo que uno siempre ha querido ser, siempre estará mal.
PACO RENTERÍA.
Extracto de Entrevista
Soul Music
Es la libertad de sentir la música al concebirla , al interpretarla es mas que una fusión , es mas que un nuevo género , es una manera de ser , freeplay va acompañado de freelife y freelive , ser quien quieres ser , hacer lo que quieres hacer sin importar convencionalismos , ni normas o reglas , sin justificaciones o tabú. Aunque no es bien vista por los puristas por no seguir más con los cánones musicales, creo que cuando ha habido esa escuela por años como en mi caso de la guitarra clásica y flamenca, personalmente lo veo valido , ya que ninguna de estas disciplinas , cánones y enseñanzas cumplieron el carácter de mi música, mas sin embargo los admiro y los respeto por ser las bases y la historia de la música y de mí música , en otras palabras no vine hacer freeplay sin antes conocer la escuela con todas las bondades y eternas enseñanzas , que durante mucho años, plasme en los conciertos clásicos y flamencos. Freeplay es dejarte llevar por los sonidos del mundo, por los ritmos de la sangre, de la vida, de lo desconocido, donde el único límite sea la imaginación, donde exista una combinación, mezcla o fusión aún imposible de llevar a cabo al margen de limitaciones geográficas políticas, sociales & religiosas, ahí donde me sienta atraído, ahí estaré explorando y descubriendo mas expansiones en mi música. Freeplay tiene también mucho de improvisación ya que en la vida no hay un manual para saber lo que tenemos que enfrentar, nos vamos haciendo al pasar de los días, con la improvisación de nuestros hechos y de nuestros sentimientos.
Freeplay es llevar al máximo los sueños, las aspiraciones, y construir una identidad al margen de lo establecido pero con la estética y el respeto que el arte me merece. Es la libertad de tocar tu alma y no tener miedo a mostrarla con la honestidad de tu inspiración.
Hacer lo que uno tiene que hacer, por tener que hacerlo, estaría bien; pero el no ser, lo que uno siempre ha querido ser, siempre estará mal.
PACO RENTERÍA.
Extracto de Entrevista
Soul Music
Thursday, November 16, 2006
CALENDARIO DE CONCIERTOS 2006 (SOLO MÉXICO)
16 de marzo Tapachula , Chiapas
• 18 de marzo reforma , Chiapas
• 19 de marzo Pichucalco , Chiapas
• 20 de marzo Juárez , Chiapas
• 31 de marzo san Cristóbal de las casas
• 15 de abril fresnillo , zacatecas
• 16 de abril san Luis Potosí , s.l.p
• 11 de mayo Tijuana, Baja California
• 15 de mayo Jalostotitlán, jalisco
• 21 de mayo Durango, durango
• 27 de mayo Guadalajara , Jalisco (Teatro degollado
• 2 de junio celaya , Guanajuato
• 11 de junio san Juan de río ,qro
• 20 de julio comitán Chiapas ( festival Rosario castellanos)
• 21 de julio san Cristóbal de las casas
• 29 de julio lagos de moreno
• 6 de agosto paracho , michoacán
• 12 de agosto teatro Manuel doblado
• 16 de agosto san luis de la paz, gto
• 19 de agosto ensenada, baja California
• 8 de septiembre Uruapan , MICHOACAN
• 9 de septiembre patzcuaro , Michoacán
• 22 de septiembre distrito federal ( Teatro de la ciudad)
• 23 de septiembre distrito federal ( teatro de la ciudad)
• 20 de octubre foro expo Guadalajara
• 21 DE OCTUBRE MEXICALI , BAJA CALIFORNIA
• 22 DE OCTUBRE MEXICALI , BAJA CALIFORNIA
• 25 DE OCTUBRE VILLA UNION PUANAs , durango
• 26 DE OCTUBRE TEPEHUENES , DURANGO
• 27 DE OCTUBRE NUEVO IDEAL , DURANGO
• 28 DE OCTUBRE GOMEZ PALACIO , DURANGO
• 29 DE OCTUBRE santiago papasquiaro , DURANGO
• 4 de noviembre chalco , estado de México
• 22 de noviembre tv azteca empresarios df méxico
• 2 de diciembre teatro Ángela peralta
• 6 DE DICIEMBRE san luis potosi , JALISCO
• 10 de diciembre tepehuanes, Durango
• 17 de diciembre México, df centro nac. De las artes
• 23 de diciembre paracho , michoacán
OPINION
“Escuchar a Paco es una sesión de emociones, sensaciones y sentimientos, espirituales y físicos, que recorren todo el cuerpo desde la punta de los dedos de los pies hasta el ultimo cabello de la cabeza, es como un rayo de éxtasis y adrenalina que recorre los nervios, músculos y huesos, y de pronto se centra en la espina dorsal para subir hasta clavarse en el cerebro; el corazón empieza agitarse, se acelera y bombea sangre con más fuerza, a cada latido los músculos se dilatan como ejercitándose, al compás de su música, hasta que una gran explosión llega durante la parte final de una melodía como Reunión Mora, en que la guitarra “mágica” desprende todo su poder y fuerza.
Cada cambio en el publico corresponde a cada cambio que Paco ofrece en la intención de sus composiciones e interpretaciones, por lo que es un MAESTRO de las sensaciones del ser humano que sabe como hacerlas música.
Para todo esto, provoca hambre, sed, deseo por la guitarra y la música en general, despierta curiosidad y cambia rotundamente las perspectivas y proyectos, incluso la vida de una persona a partir de un concierto, posee el don para hacerlo aunque no sea intencionalmente.
Como persona es un artista, como amigo el mejor, que más puedo decir de un hombre que ha dejado una gran huella por este mundo y por esta vida.
Roberto Castellanos.
Comitán , Chiapas
Saturday, November 11, 2006
ENTREVISTA 2006
GITANUS
NUEVA PRODUCCIÓN DE PACO RENTERÍA
2006
En uno de los Hoteles más lujosos de San José de el Cabo, Baja California Sur, donde solo los artistas de Hollywood pueden pagar una noche 5000 dólares, vemos a Paco Rentería, con el mismo aplomo que en otras ocasiones, no parece impresionado por la suntuosidad que nos rodea.
El músico posee esa serenidad que distingue a quienes se sienten plenamente satisfechos consigo mismos, después de una gira exitosa en el 2005 y con la calma de tener por fin tiempo para disfrutar de unas merecidas vacaciones , un par meses repartidos entre los Cabos y Puerto Vallarta son estas vacaciones , donde en el marco de esta tranquilidad nos ha dado la oportunidad de entrevistarlo para que nos de a conocer algo mas de su nueva producción titulada Gitanus, además de abordar otros temas de interés.
EL vivir en este siglo te hace imposible deslindarte de todas las raíces que transitan en el globo terráqueo. EL flamenco gitano es lo que predomina, la fusión musical es uno de los cometidos recientes de este músico, Paco Rentería quién precisamente se mueve en estos territorios del mestizaje.
Paco Rentería y su agrupación con quién tiene 6 años trabajando arduamente, hay quienes dicen que se especializa en la mezcla de distintas corrientes, hay quienes dicen que le da una renovación al flamenco, otros dicen que brinda una perspectiva fresca a la música llamándola World Beat, la única verdad es que sea cual sea, la música de Rentería provoca cicatrices en el alma y causa estragos en nuestras emociones. La buena relación de los y instrumentistas con Paco interesados también en este combo sonoro de intercambio cultural así como la gente de producción crean un ambiente artístico y personal de calidad , de entrega, de alegría, de profesionalismo que se transmite dentro y fuera del escenario .
COMO VES ESTE 2006 QUE ESTA APENAS INICIANDO
Hermoso, excelente y con nuevas motivaciones para seguir creando
2 MESES DE VACACIONES
Bueno después de trabajar prácticamente 5 años sin parar ya me merecía unas vacaciones, sin embargo esto me ayuda a evaluar lo malo y lo bueno del 2005 y años anteriores y proyectar con calma y tranquilidad todos los proyectos de este 2006.
Cuando inicias conciertos en este 2006
Creo a mediados de marzo
Que extrañabas de tener estos más de dos meses sabáticos
La tranquilidad , la calma de poder leer , de convivir con mi familia , de ir con toda tranquilidad de compras , de componer 24 horas al día , de no pensar en hoteles , habitaciones , vuelos de aviones , en pocas palabras no tener que estar sujeto a horarios , compromisos y obligaciones , aunque te diré que nunca dejo de desentenderme de mi oficina y mi empresa aun en mi casa o en estos hermosos lugares estoy teniendo algunas juntas , y platicas con toda la gente de mi producción , manager para como te decía proyectar este 2006 .
Hay cambios en este 2006
Muchos cambios de entrada con la producción, nuevos músicos, nueva música, y vamos ha realizar menos conciertos que en años anteriores, en pocas palabras solo haremos los conciertos en donde podamos presentar al máximo nuestra producción.
Serás más selectivo
Mas bien mucho mas estricto con la producción, que no haya variantes de un concierto a otro con sonido, iluminación entorno y prestigio
Decías cambios en la banda
Principalmente mucho más exigente conmigo y con ellos
No lo eras
Mucho, pero este año mucho más
Habrá cambios en el grupo base
Yo espero que no ya que hemos venido trabajando con un muy buen ambiente y nos entendemos bien, sin embargo creo que también hay ciclos, así que no se que pueda pasar por lo pronto todo esta “muy bien “.
Crees que tus músicos te envidien
Definitivamente no lo creo, sin embargo uno nunca termina de conocer a las personas, si alguien sabría contestar esa pregunta serían sus amigos, conocidos o familiares de ellos por que es donde a lo mejor se expresan con mas confianza.
Que tipo de músico te consideras
Más que músico me considero un curioso, un entrometido de la música
¿Como es eso
Siempre trato de indagar lo mas que se pueda, por que al momento de la creación todo me sirve de influencia, toda la música que oigo, los lugares, las personas que conozco en todos los lugares a donde vamos parte de todo eso es lo que se plasma en mis composiciones, platico con mi alma, reflexiono, exploro, agonizo con todo lo que percibo y siento.
Paco Rentería tiene un encanto para la gente, creo que esta ahí en los enlaces musicales, en las conversaciones internas, en la reflexión musical de tus temas.
El gusto por el público y su encanto.
La improvisación y la espontaneidad es algo que le compete a este brillante guitarrista
Gracias por las palabras, me sienta bien el afán de desprenderme de los rótulos formales.
Finalmente: como definirías a tu música
Free Play
Algo así como libertad musical
Solo es mi música y mi sentir
Paco, de donde vienen esas reflexiones, esa manera de percibir la vida y tu arte
Me educaron para entender que explorar, observar y percibir es algo crucial para poder llevar una vida artística e intelectual completa. Mi padre y mi madre fueron mis mentores, no tanto por lo que me dijeron, sino por la manera en que vivieron sus vidas y como afrontaron el mundo. Mi madre pintora y mi padre abogado representaban el lado izquierdo y el lado derecho del cerebro: lo académico y lo artístico. Eso creo que es el inicio , sin embargo creo que toda la información que he recibido durante mi vida de todas las fuentes , viajes , experiencias , estudios , ejercieron profunda influencia y a creado al menos en mí , a una persona reflexiva y que busca siempre un momento de soledad para analizar los sentimientos que me conmueven e iluminan mi creatividad , teniendo cada uno de estos , su propia manera de pernear en los entornos e ideales de mi alma y de mi música.
Cuales son los temas que ahora te interesan como artista
Todos en donde se involucre principalmente las emociones del ser humano
Me has comentado que el ser músico es una carrera que no tiene fin
Así es , cuando crees que has dado un gran paso te das cuenta que hay mas caminos , cuando abres una puerta te encuentras con otras 5 más , cuando has terminado una obra quedas satisfecho solo unos momentos , pero en tiempo corto quieres más y empiezas a buscarle todo lo que le hubieras hecho o modificado , en otras ocasiones hay un desfase entre lo que uno quiere hacer , lo que uno sueña hacer y lo que uno puede hacer , encuentras limitantes para superar , caminos fáciles , obscuros , brillo en tu inspiración o tinieblas en tu continuación de la misma , hay magia , misterio , existen caminos que alejan y acercan las líneas entre la realidad y el sueño , creo que siempre tienes algo nuevo que aprender . El arte es una exploración en la noche. Es una cosa que uno nunca esta seguro de nada, casualmente ese es el estimulo que lo hace a uno volver a intentarlo. Y es por eso que después de una grabación de algún disco una ves que sale a la venta, no lo vuelvo a escuchar para no atormentarme por que todo me critico, por que siempre tengo sed de más y más.
Entonces no existe la Obra de Arte perfecta
Seguramente la hay entre los Clásicos y en el Renacimiento. Cundo el mundo de el artista era sólido. El mundo que nos ha tocado vivir es un mundo, desconcertado, angustioso, que se esta comiendo así mismo y donde a ratos no se sabe muy bien en que terreno se pisa. Entonces nuestro arte en muchas ocasiones, cuando dejamos de ser idealistas no hace otra cosa que reflejar esa insatisfacción y esa desesperación, afortunadamente en mi caso sigo creyendo en un mundo tan bello como es en el que me toco vivir.
Existe la Cultura Latinoamericana
Por que no le preguntamos a Borges , Vallejo , Rulfo , Sábato , Alfonso Reyes , Octavio Paz , Rubén Darío , Fuentes , Luis Barragán , Revueltas , Ponce ,Villalobos , Botero , Fonseca y muchos más
Cual es tu mayor pasión
El Arte de la vida
Cual ha sido tu presentación más difícil
El termino dificultad es amplio, pero casi siempre han sido factores técnicos o metereologicos, por que en cuanto a publico Dios me ha bendecido con su cariño.
Comentabas que buscas momentos de soledad por que
Para escuchar la voz de el silencio, que nos pone en contacto con nosotros mismos, y nos ayuda a reconocer en nuestro interior lo mejor.
Entonces comunicarse también en silencio es importante
Las puras palabras no dicen todo, es el lenguaje no verbal el que les da su significado preciso, el tono, el volumen, el ritmo y otros mucho matices. También el silencio comunica y transmite muchas emociones , sentimientos y sensaciones que las palabras jamás lo harían sentir o nos dejarían sentir , cuantas veces los que hemos amado no encontramos las palabras para decir lo que sentimos a nuestro ser querido , Así entonces , la intimidad ,el lenguaje corporal , los sentimientos mas fuertes , con las sensaciones mas sublimes encuentran en el silencio su mejor cause y camino para hacerlas sentir hasta el tuétano , en donde podemos dibujar el cuerpo de el ser amado con el lápiz silencioso de nuestra lengua y la tinta de nuestra saliva , y donde nuestra alma se convierte en la sabana que abraza , goza y ama .
Crees que los seres humanos le tenemos miedo al silencio
Así es , por lo menos una gran mayoría , creo que el recogimiento consiste en entrar en nuestro mundo interior y ahí reconocernos como humanos , con todos nuestros defectos y todas nuestras cualidades , es como una mina que para encontrar el oro hay que picar piedra y pasar por la escoria . Es por eso que tenemos miedo, pavor a estar con nosotros, a sentarnos un momento sin hacer nada, por que estamos convencidos que lo que nos construye como personas es lo que hacemos y no es así, lo que nos conforma como seres humanos esta dentro, en lo mas intimo de la propia intimidad, y ahí hay que ir a buscarlo haciendo una alto a la vida desenfrenada, activista y en ocasiones hasta robótica.
Tú ya lo hiciste
Diario, por eso puedo hablar con esa seguridad, todos los momentos de silencio y soledad son mis cómplices y compañeros para componer, por que saco todas mis vivencias, demonios, fantasmas y Ángeles de la temporada.
Es difícil la música, es difícil componer (Paco Sonríe)
La música elemental no es simplemente música , es prerracional, no tiene formas , ni secuencias , la música elemental es mundana , natural , física , cualquiera puede aprenderla y experimentarla , es un juego de niños , tu puedes tocar un puerta varias veces , o una cazuela , y eso ya es música . Creo que el Arte de hacer música es difícil, así como el arte de hacer cualquier tipo de arte es muy difícil, pero sobre todo de mucha entrega y tenacidad. Pero no solamente talento y vocación sino de un trabajo disciplinado en que nuestras creaciones aprendan a obedecer lo que nuestro interior, subconsciente incluido, trata de plasmar. Lleva mucho tiempo ser músico pero lleva mas tiempo ser Artista.
Ahora que lo dices , vaya a mi me queda claro que te he seguido por mas de 10 años tu evolución , y ver como el público se te entrega , pero siguen existiendo personas o retractores que no se cansan de criticarte , te afecta esto .
Ya lo había contestado antes , el problema es de ellos no mío , mi filosofía de vida es que si no vas a tener amigos tampoco tengas enemigos , no te voy a negar que hace ya unos años si me dolía , pero mas que nada por ser personas que fueron cercanas a mí y que al estar frente a ellos me daban una cara y después te enterraban la daga por la espalda , sin embargo mis verdaderos amigos , el publico y yo mismo claro esta , hizo que viera que es una realidad que enfrentamos todos lo que estamos en un aparador que genera tantas emociones , en la mayoría de las personas una excelente vibra , donde la energía fluye de ida y vuelta , pero lamentablemente en otras pocas no es lo mismo ; yo les deseo a esas personas que si no les gusta mi música , que no la escuchen , que si no les agrado como persona , que se alejen de mí y que no vayan a los conciertos que realizo y que si en algún momento de mi vida he ofendido a alguien con algún comentario , etc... Pues les pido perdón. Y si hay algo que cualquiera de estas personas me lo quiera decir personalmente con gusto lo recibimos. Hay amigos que me han comentado que detrás de todas esas personas que hablan y critican , hay miedos , agonías , fantasmas , demonios , inseguridades , es mas , que ellos ya perdieron en la vida o nacieron perdedores , no lo se , yo solo les mando y les deseo todas las bendiciones .
Miles y miles de personas te quieren y les encantas, por que crees que en otras pocas no sea lo mismo
No dicen que del odio al amor hay solo un paso. Mira no me detengo ni siquiera a ver que bueno dicen de mí, eso lo hace mi oficina, lo malo menos, ya que solo hace que desgastes y pierdas energía, en esta carrera solo hay que trabajar, es cierto que a más de alguno le sigue haciendo ruido que me consideren guitarrista de flamenco, cuando yo he dicho en innumerables ocasiones, que no lo soy. Como te dije antes es mi sentir, es mi alma lo que doy, no le pongan títulos, y los que lo hacen, lo hacen sin ninguna mala intención, y los que no están de acuerdo que no se claven y que escuchen a quien ellos quieran.
Cual es la fórmula para que les gustes a tantos públicos tan diversos
Mas allá del impulso de crear o interpretar hay un nivel aún mas profundo de compromiso, un estado de unión con un todo que está mas allá de nosotros. Cuando este elemento de unión penetra nuestras formas de juego, obtenemos algo que esta más allá de la mera creatividad, más allá del propósito o la dedicación: llegamos al estado de actuar por amor. El amor tiene que ver con la perpetuación de la vida, y por lo tanto está irrevocablemente ligado a valores muy profundos. Nunca ha dejado de maravillarme, el poder de la escritura, la música, la pintura o la danza para sacarme de la tristeza, desilusión, la depresión, etc... No hablo de entretenimiento o distracción, sino de tocar, bailar, dibujar, escribir, para atravesar el mal momento y salir de el. Así veo mi música como una alternativa de sentimientos y emociones para que el público viaje , remueva , arregle , cambie o por lo menos olvide en esos instantes , que tenga un poder curativo en el alma ; así que hay que empezar a ser honesto contigo , creer en lo que haces , tenerles mucho respeto , quererlos a todos , entender que cada público es diferente , mantener vivo el amor y agradecer a Dios siempre por cada éxito cuando acabo los conciertos.
Ahora que hablas de esto, casi no hay excepciones a la regla de que una persona debe pagar muy caro por el don divino del fuego creativo
Espero ser la excepción de la regla, pero algo hay de eso e igual tienes mucha razón, decía Carl Jung que la vida de un artista necesariamente debe estar llena de conflictos, por que dentro de si lleva dos fuerzas enfrentadas: por un lado la de un simple deseo humano de felicidad, satisfacción y seguridad de vida, y por otra una pasión despiadada que puede llegar al punto de pasar por encima de todos los deseos personales
Que haces, como te preparas antes de salir a cada concierto donde miles van a ver cada mínimo movimiento que hagas.
Primero una Oración y meditación, después varias respiraciones y exhalaciones. Hay que tener la capacidad de relajarte mentalmente y centrar tus pensamientos en el contexto de tu entorno personal e interior de paz y tranquilidad, a pesar de lo estresante que pueda ser la vida. De esta forma puedo practicar mi arte en cualquier circunstancia, ya que cualquier tensión o problema puede poner un freno al flujo creativo e interpretativo. Como compositor son técnicas muy valiosas, en realidad yo digo que esenciales. Concentrarse en forma lógica y total en el sonido de la música es increíblemente complicado en un mundo lleno de palabras, ruido inarmónico, giras y estrés. Pero independientemente de estas técnicas también me destierro a la soledad de la playa o el bosque a nutrirme de elementos naturales que me inspiren, llenen y revitalicen para dejar fluir las ideas de un nuevo proyecto creativo.
Que es lo que sucede en un concierto una ve que estas en el escenario como interprete
Respiro , después dejo que mi cuerpo se adapte a la temperatura de el lugar , siento como mis pies se conectan con el escenario , hay un aplauso caluroso al salir y después un sosiego absoluto , un silencio absoluto donde la interpretación empieza a manifestarse , vuelves a respirar ya que el publico registra hasta tu mas mínimo temblor , me relajo , desprendo cualquier ansia y a disfrutarlo dejando que sean mis sentimientos y emociones las que hablen en complicidad con las de los públicos , hasta llegar al éxtasis que ambos buscamos .
Leía en otra entrevista que te hicieron que leías Cosmos de Carl Sagan, crees que la música crea un efecto no solo en los seres humanos, si no en el cosmos como un todo
Claro, la música puede incluso, transformar la materia en espíritu, en su estado original al entrar en contacto con cada átomo de un todo, con cada ser humano, gracias a la ley de vibración armónica. No obstante la música penetra en lo mas profundo de nuestro ser y, de esta forma, crea una nueva fuerza vital, un aliento de aire que infunde júbilo en cualquier existencia y conduce al ser a la perfección. En eso reside la realización de la vida humana.
Paco por que tocas descalzo
Bueno ya lo venía haciendo años antes cuando he realizado conciertos en la Playa, como te decía antes me ayuda a conectarme de inmediato con la energía de el lugar, hace que fluya mas rápido y además me encanta por la comodidad, que es lo que hace cualquier persona cuando llega a casa, quitar y aventar los zapatos, bueno yo trato que nada me impida la comodidad de expresar y sentir por eso me gusta la comodidad en todo el cuerpo en cada concierto.
De tu discografía anterior me encanta océano, aunque has tenido el doble de ventas con el de Gitanerías quizá por el tema de la película Mariachi (Pistolero)
Creo que hacer un performance de Los Lobos con mariachi mucho mas flamenca y grabarla 2 veces hace ya más de 6 años con Gitano Latino y después con Gitanerías fue un acierto ya que la gente la identifica mucho , sin embargo composiciones mías como piel de mujer , Vallarta Night , caribe , caminante solitario , el corazón me habla de ti , vive el tequila , Egipto , eternidad , gitano latino han tenido más éxito , y algunas de ellas son mucho más éxito en otros países donde son temas de series y películas. Así que mariachi cada ves es mas una experiencia de el pasado.
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Tuve oportunidad de escuchar tu nuevo material antes de esta entrevista , el cual agradezco , y pude darme cuenta de que no en todas tus composiciones tocas la guitarra y que además en otras cantas , esto es completamente nuevo para mi , que me puedes comentar al respecto
Así es no puedo limitar una idea musical a 6 cuerdas y mucho menos a limitar mi musicalidad como compositor, sucede que en este disco soy guitarrista y músico, ahora no contradiciendo lo que antes te decía, ahora si sentía ganas de decir en estas canciones una idea especifica, si bien he cantado toda la vida en el baño, me sentí cómodo al hacerlo y creo que algún día lo volveré a hacer.
Encuentro un disco muy emocional y contrastante
Lo es, soy una persona con vivencias muy profundas, hermosas y diferentes al primer disco de hace 6 o 7 años y creo que se refleja hoy mas que nunca en este disco.
Que viene Paco
Giras, conciertos, un primer DVD de más de tres horas de duración y empezar a componer y arreglar los temas del nuevo disco.
Ya vas a empezar con el nuevo disco
Bueno de hecho ya tiene rato que empecé, y estoy muy contento con este nuevo proyecto en puerta.
Sabes cual será el nombre de esta producción que estas realizando
Si lo se pero no te lo voy a decir, solo te adelanto que es dedicado a la Fiesta Brava, pero ahora nos toca hablar de Gitanus.
Consideras que Gitanus es tu mejor disco
No creo que pueda decir que es mejor, pero si creo que representa una etapa de mayor madurez musical y personal. Creo que esta debe reflejarse en la musicalidad de este nuevo proyecto, sin embargo definitivamente hay una evolución de los discos anteriores a este último.
Paco Rentería, te consideras original
La originalidad no consiste en ser distinto del pasado o distinto del presente, significa ser el origen, actuando desde el propio centro. Las primeras ideas por obvias que las consideremos son las inspiradas y son originales, por que por más que sean obvias para nosotros para el resto será completamente original. Por eso cuanto mas uno mismo es uno mismo más universal será nuestro mensaje.
En que sueñas
En que mi vida se convierta en una obra de arte.
En que piensas
No acabaría de decirte, pero quizá ahora en comer unos sopes de requesón
Eres de buen diente
Mas bien diría que de buena mazorca
Que te gusta comer
De todo, de preferencia cocina mexicana y de preferencia garnachas. Más sin embargo me encanta todo lo natural en especial todos lo referente a jugos de frutas naturales.
Comes mucho antes de los conciertos
Mas bien casi no como, es importante sentirte ligero y cómodo en el escenario, mucha agua es todo, claro acabando el concierto necesito una buena cena.
Te noto repuesto a la última vez que platicamos
Bueno se subieron unos kilitos que ahora estamos bajando para iniciar la gira como empezamos
Leí en el disco que una de tus melodías es dedicada a Magie
Así es, es mi abuela y fue una persona importante en mi vida muy importante
Has perdido seres queridos
Bueno yo no llamaría perdido, creo que las personas que amamos nunca mueren, permanecen, viven y trascienden en las personas que los amamos.
Cuales son los temas que ahora te interesan
Todos. La literatura, la política, los seres humanos, la belleza de las mujeres.
En el fondo creo que siempre me han interesado primordialmente las mismas cosas: la condición mortal del hombre, la fugacidad de la vida y por otro lado la frustración de ver a mi país incapaz de suprimir la miseria y alcanzar un nivel de vida aceptable para todos sus habitantes. Cada vez estoy más convencido que en el mundo no podremos hablar de paz mientras haya gente que se acuesta si haber satisfecho su hambre. Seguramente que son este tipo de preocupaciones las que alimentan la necesidad de expresarse para una persona con un oficio como el que tengo.
Cual sería tu peor frustración
El divisar el fin y no haber podido arrancar dentro de mí la obra musical que oscuramente soñaba. Vamos el que nunca llegue a llenar el vacío entre lo que soñé hacer y lo que logré hacer, y eso es lo que me ha hecho trabajar sin cesar en tratar de conseguirlo.
Finalmente Paco dime lo primero que se venga a la mente
Música
Forma de Vida
Flamenco
Un Ritual
Duende
El demonio inspirador
Andalucía
Provincia al sur de Españ
La Casta
Andaluces, moro-árabe, judíos, Gitanos y hoy Latinos.
Fusiones
Rumba catalana, Jazz, Afro Cubano, Latino, Oriental, mediterráneo, progresivo, etc...
Rumba
Las formas más jóvenes del flamenco, ritmo flamenco de ida y vuelta.
Guitarra
Madera
Amigos
Pocos, conocidos muchos
Magie
Un hermoso recuerdo que durara toda mi vida
Compañeros
No estoy seguro que tenga
Tu meta 2006
Ser implacable con todos mis objetivos
Como te despides
Adiós
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